...barailaique

Não saí do ar?

2012-02-07T06:38:00.000-08:00

É possível tirar um blog do ar? Dar sumiço nele? Escafedê-lo? Sei lá... Pra onde ele vai? existe alguma espécie de lixo cibernético virtual? Bem, de qualquer forma volta ao ar o blog mais sazonal e esporádico da rede. Pra quem gosta de atualizações diárias ou similares, twitter etc e tal, isso aqui é água no chopp, empata foda total.

Frequentemente eu até tenho o que escrever. Geralmente eu tenho muito outro o que fazer, isso sim, e em algumas vezes a preguiça se apodera de mim. Só mesmo uma conjunção muito favorável de idéia (nem sempre boa), disponibilidade e ânimo pra fazer surgir essa linhas que você vai lendo.

Andy Summers era (provavelmente ainda é) um sujeito notável. O fato é que o cara conseguiu adotar uma abordagem inovadora dentro de uma universo que estava se tornando cada vez mais conservador (o universo da guitarra de pop-rock). O punk surgiu (oficialmente) na segunda metade da década de 70, sendo Never Mind the Bollocks (um dos piores discos de todos os tempos) dos Sex Pistols (uma das piores bandas de todos os tempos) considerado seu marco inicial.

A psicodelia dos anos 60 derivou para dois (principais) rumos: o Progressivo e o Heavy Metal (portanto, irmãos, gêmeos hiperbivitelinos). Eram, outros rumos e possibilidades, principalmente em termos musicais. Curiosamente, o movimento cuja marca principal é a rebeldia foi, musicalmente, extremamente conservador. Voltar às orgiens, aos três acordes, às temáticas básicas. Os antigos ídolos dos anos 60 estavam "velhos" e ricos, rock com status de arte se parece mais com o almofadinha do meu sogro, e ainda de quebra, tinha a baitolagem explícita que vinha do glam rock... Enquanto houverem garotos na faixa etária enre 15 e 20 anos haverá demanda por músicas sobre carros, cerveja e, principalmente, mulheres...

As melhores bandas da onda punk foram exatamente aquelas que ali surfaram enquanto conveniente, e depois caíram na chamada new wave, no momento em que perceberam que o conteúdo ali era limitado demais. Exceção feita ao The Clash, que conseguiu manter o status punk ad eternum, ainda que sua obra-prima, o exuberante London Calling, seja punk mais na pose que na música (esta era uma banda real, com afinidades sinceras entre os músicos e a música, não uma galera que foi juntada para ajudar boutique a vender roupa rasgada). The Police, Talking Heads e Blondie costumam ser associadas por aí ao (início do) movimento punk.

Bem, eu não consigo pensar em muitas figuras menos punks do que Sting e David Byrne e Debbie Harry era coelhinha da playboy... Se alguém insistir que Heart of Glass é punk, bem, eu sou punk até a medula. Talvez até o Agnaldo Timóteo seja. Tirando o fato de seu primeiro disco ser chamado de Talking Heads '77, não sobra mais punkitude nenhuma nesta banda dançante, inovadora e sem nenhum preconceito musical.

O primeiro disco do Police é o que mais se aproxima da estética punk (seja lá o que isso for), talvez por isso, o disco mais fraco deles. A partir do segudo álbum a banda começou a voar... As canções de Sting quase sempre vão muito além da temática rock (que dirá da punk), Stewart Copeland é provavelmente o melhor baterista de rock surgido depois da era de ouro e Andy Summers era um cara muito perspicaz e de ótimo gosto musical. Suas inserções são pontuais, parecem discretas mas são quase sempre essenciais. Os acordes com nonas que ouvimos em Message in a Bottle por exemplo são sublimes e transformam a música num clássico imediato. É um cara com outra cabeça. Não tem (quase) nada a ver com os guitarristas dos anos 60/70, geralmente o centro das atenções, com tudo o mais girando em torno deles (bem, depois de Hendrix e Clapton, isso foi levado ao extremo). Andy é o cara que toca o complemento, é o cara que tempera as músicas com bom-gosto e inteligência. Daí esta banda criou uma coisa que era muito porque era pouco, ou vice-versa, sei lá.

Na música brasielira então, nem se fala. Ditadura das harmonias complicadas, lindas melodias, ritmos diversos e de quebra, poesia de alto nível. Gilberto Gil, Língua de Trapo e Rita Lee prestaram suas homenagens, mas a real e outra. (No Brasil:) Muito difícil ser punk. Camisa de Vênus tinha o nome, a pose e um pouco da música. O mesmo pode ser dito de Ira!, Plebe Rude e principalmente, Garotos Podres (para se ater aos mais conhecidos). Quem não definhou, mudou de time e, diga-se, para melhor.

Enfim: Punk-se quem não puder*!

* fazer melhor...

E não é isso mesmo?

2012-02-07T06:00:00.001-08:00

Um lindo dia de sol...

2010-11-02T06:20:00.000-07:00

Vai passar nessa avenida um samba popular
Cada paralelepípedo da velha cidade essa noite vai

se arrepiar
Ao lembrar que aqui passaram sambas imortais
Que aqui sangraram pelos nossos pés
Que aqui sambaram nossos ancestrais

Num tempo página infeliz da nossa história,

passagem desbotada na memória
Das nossas novas gerações
Dormia a nossa pátria mãe tão distraída

sem perceber que erasubtraída
Em tenebrosas transações

Seus filhos erravam cegos pelo continente,

levavam pedras feito penitentes
Erguendo estranhas catedrais
E um dia, afinal,

tinham o direito a uma alegria fugaz
Uma ofegante epidemia

que se chamava carnaval, o carnaval, ocarnaval

Vai passar,

palmas pra ala dos barões famintos
O bloco dos napoleões retintos

e os pigmeus do boulevard
Meu Deus, vem olhar,

vem ver de perto uma cidade a cantar
A evolução da liberdade

até o dia clarear

Ai que vida boa, olerê, ai que vida boa, olará
O estandarte do sanatório geral vai passar
Ai que vida boa, o lerê, ai que vida boa, o lará

O estandarte do sanatório geral

...vai passar

CHICO BUARQUE & FRANCIS HIME

PS: achei esta foto linda na internet, infelizmente sem crédito...

Old Brown Shoe

2010-10-21T12:15:00.000-07:00

Sabe aquele velho sapato, aquela velha calça jeans que já tá fininha, ou aquela camiseta antiga que ainda teima em lhe cair bem? Pois é assim que soa pra mim a música do mais místico e tímido dos Beatles, o grande guitarrista, cantor e compositor George Harrison.

Talvez o segredo da música de George Harrison seja o fato de que este é um cantor de poucos hits, uns três ou quatro no máximo. Paradoxal, não é mesmo? Afinal, o universo pop é quase que o universo dos tais hits...

Mas para quem é aficiccionado mesmo por música, aquele pessoal que acorda ouvindo música e vai dormir ouvindo música, é muito legal ter um cara desses, que faz um som que não enjoa. Mesmo as músicas mais manjadas como Something, Here Comes the Sun e Sweet Lord, ou a magnífica While My Guitar Gently Weeps (uma das melhores de todos os tempos), você pode ouvir e se arrepiar como se tivesse as escutando pela primeira vez. As melodias são belas sem serem óbvias, os arranjos extremamente originais e de bom gosto e a execução, sempre impecável. Começando pela sua abordagem do instrumento, a guitarra nas mãos de George é tratada com devoção. Mais do que a mulher amada, a guitarra em suas mãos é um filho ou filha ainda criança, que requer atenção, carinho e dedicação. Ele sempre tocou de maneira suave, com agressividade quase zero, privilegiando a palhetada precisa e os saltos de corda (como em If I Needed Someone, ou mesmo na já citada Here Comes...). Sua abordagem do slide jamais se prendeu ao blues, como é típico dos guitarristas de rock. Aliás, a única ligação dele com o blues é a amizade em comum com Eric Clapton, fora isso, George era mesmo fã de Carl Perkins antes de se tornar uma espécie de embaixador da música indiana no mundo pop do ocidente.

As letras de suas música dificilmente iam na direção do trinômio básico do rock: mulheres, drogas e carros. Não que essas coisas não faziam parte de seu universo, apenas que elas não apareciam com tanta frequência na música, que era mais dedicada a viagens existenciais e espirituais. Musicalmente falando também havia outras coisas além dos três acordes, a revolta e a gritaria aqui. Talvez fosse George o menos roqueiro dos roqueiros?

Mas o melhor mesmo em George Harrison são as pérolas escondidas... If I Needed Someone, Old Brown Shoe, The Inner Light, Taxman (pra se restringir apenas ao repertório dos Beatles) ou os magníficos álbuns solo All Things Must Pass e Living in the Material World.

Neste sentido, o show em sua homenagem, o Concert for George, comandado pelo amigo Eric é sublime: "we' re here to celebrate the life and music of George Harrison". Cumprido à risca o prometido, mais que o desfile de estrelas, o show é um desfile de canções, onde, bem, você pode ter uma preferência aqui outra ali, mas é todo ele uma celebração mesmo, emocionada e emocionante de um conjunto maravilhoso de canções. Pessoalmente acho as participações de Billy Preston o ponto alto (principalmente em Isn't it a Pity, canção menos conhecida do álbum triplo que marcou o fim dos Beatles), acho que ele era uma espécie de parceiro espiritual de George. A entrada de Paul no final, onde divide a execução de Something e While my Guitar com Eric também é de tirar o fôlego, e a participação de artistas menos conhecidos como Gary Brooker e Albert Lee também é a cara do homenageado...

Enfim, a música de George Harrison não é muito festiva e foge dos maiores clichês do rock'n'roll...

Mesmo assim...

AILAIQUÊÊÊ!!!!!!

[M]

Novos Tempos?

2010-10-13T12:57:00.000-07:00

Dia desses tava ouvindo o ótimo disco (novo) de Ian Brown. Na verdade parece ser uma coletânea reunindo o melhor do trabalho solo do vocalista dos Stone Roses. O álbum chama The Greatest e não traz muita informação. Vai na linha minimista, encartes com fotos bacanas, mas informação zero. Afinal o que vale é a música, não? Bem, esta é afinal a geração mp3, bem diferente da geração bolachão...

O encarte super informativo de the Greatest. Tudo bem, é bonito...

Bem, para dizer que os Stone Roses foram um descoberta bem tardia minha. Formada no final dos 80/início dos 90 em Manchester pelo vocalista Ian Brown, dono de uma voz meio esfaqueada, timbre cortante, canta meio falado e as palavras saem uma por uma sem embolar (o que me leva a crer que o cara deve odiar Mick Jagger), e o guitarrista John Squire (que imagino não ter parentesco algum com o velho Chris, baixista do Yes...), excelente ritmista e de muito bom gosto na escolha de timbres e efeitos. Nesta época estava eu preocupado demais com o "lixo noventista" e me recusava a ouvir coisas novas, não queria macular o puro som do rock'n'roll dos 60 que entrou pelos 70 arrebentando, e pelos 80 já perdendo totalmente o gás.

E o tempo é o senhor da razão. Pra não deixar de ser teimoso, eu passei boa parte dos anos 00 descobrindo os tesouros escondidos nos 90... É muito engraçado porque meus alunos na faixa de 18/20 anos desfilam por aí, orgulhosos com suas camisetas do... Led Zeppelin???? Uma pesquisa rápida na sala de aula mostrou ser essa a banda favorita, ao lado de outras novidades como AC/DC e, pasmem, os Beatles. Nada contra, acho ótimo que tenham este bom gosto, mas quando eu citei os White Stripes ou Lady Gaga, ninguém levantou o braço.

Engraçado é que, mesmo das antigas, as bandas inglesas continuam fazendo a cabeça das novas gerações. E como o rock britânico e o americano são diferentes! No começo, os ingleses importaram o blues e o rock negro americano, reciclaram, e devolveram revigorado e, é claro, principalmente: branco. Beatles, Stones, Who, Animals e outros pioneiros faziam praticamente rock americano até meados dos 60 quando o jeito inglês parece que veio à tona. LSD, roupas coloridas, a pílula... talvez a assimilação destes no velho continente tenho sido mais ligeira e malandra que na América, ainda preocupada com Guerra Fria e outros fantasmas. O psicodelismo é basicamente rock inglês. Não há como negar, e os frutos estão aí até hoje. O rock americano parece mais preso às suas raízes, a um certo purismo (ainda que alguns artistas ingleses sejam entusiastas da idéia, como Clapton, por exemplo). O rock inglês é mais solto, livre e descompromissado. Na ilha nasceram, além do psicodelismo, o heavy metal, o prog-rock, o punk, a new wave (ok, o grunge é, essencialmente americano. Assim como o rap). Os melhores artistas americanos tocam uma música extremamente tradicional (e boa). Incluo aí, os canadenses Neil Young e a The Band. Dylan e outros folks semelhantes (Crosby e Stills). A banda dos irmãso Allman e até mesmo o pessoal da costa oeste, Grateful Dead, Jefferson Airplane e mesmo Credence Clearwater Revival. Enquanto o rock americano vem de trator aditivado com Bourbon, o inglês tem aquele ar de neblina, chuva e bolor (e aqui parece residir a diferença fundamental)

A ensolarada pose dos americanos Crosby, Stills e Nash (tudo bem, Nash é inglês),
enquanto na ilha os Stones vão passando aquele frio...

Talvez os mais libertários entre os artistas americanos tenham sido Hendrix, The Doors, Lou Reed e o pessoal de NYC, Talking Heads e a galera do Grunge (bem, o que dizer então de Frank Zappa?). Libertários em relação a estas tradições, a estas raízes. Já na ilha, o troço é diferente. Eles não precisam respeitar estas raízes, pois não são deles. O som da ilha me parece mais descompromissado e mais disposto a incorporação de novidades. Bob Marley e os Wailers ali no caribe, tão pertinho da América, voaram para a ilha antes de estourar comercial e internacionalmente. Até mesmo Hendrix teve que sair dos EUA e montar uma banda inglesa para depois reconsquitar seu próprio país. Enfim...

O mais engraçado é que (parte d')essa geração do MP3 tá de olho (e ouvidos) lá nos 60's e 70's... Um outro aluno veio todo orgulhoso me contar que faltaria a uma aula na sexta porque estava indo ao show do Rush! E você vai no show certo de encontrar uma bando de carecas ou grisalhos barrigudos e quando percebe está no meio da maior moçada... Acho que isso dá um certo estilo pra gente sabe? algo como, olha eu não tô ouvindo o que tá tocando por aí, eu tô é com a velha e boa guarda... Naqueles (nossos) tempos era mais complicado, rádio quase não tocava, tinha que ser disco ou fita gravada de alguém. Hoje, na era do MP3 o aceso é total a tudo, é de ficar tonto.

Só espero que daqui uns anos meus alunos comecem a ouvir os Stones Roses, Primal Scream, Kula Shaker, as grandes bandas inglesas dos 90. Sem esquecer coisas mais eletrônicas como Morcheeba, Masive Attack e Portishead. Quanto aos americanos, sejam eles os super-retrô Black Crowes (minha banda americana favorita) ou o supreendente Mark Sandman e seu Morphine, espero que eles também descubram e desfrutem. Nunca é tarde demais...

[M]

THORN IN MY PRIDE

2010-09-27T05:48:00.000-07:00

Wake me when the day breaks
Show me how the Sun shines
Tell me 'bout your heartache, who could be so unkind

Do you dream to touch me?
And smile down deep inside
Or could you just kill me?
Hey, it's hard to make up your mind sometimes

My angels, my devils, a thorn in my pride
My angels, my devils, a thorn in my pride

Are you wanting inspiration?
You spill your secrets on me
Then you tell me with a whisper
Of things that will never be

Do you hear me breathing?
Does it make you want to scream?
Did you ever like a bad dream?
Yeah, sometimes life is obscene

My angels, my devils, a thorn in my pride
My angels, my devils, a thorn in my pride

Lover, cover me with your sleep

Let your love light shine, let it shine
Lover, cover me with a good dream
Oh let your love light, let your love light shine

All I wanna know, do you ever want to let it shine
Do you ever want to let it shine?
Your love light, your love light, now listen

Lover, cover me with your sleep
Let your love light shine,

let it shine...

[Robinson & Robinson]

The Baron Chronicle

2010-09-14T07:30:00.000-07:00

Hungry Like the Wolf do Duran Duran sempre tem o efetio de empurrar minha memória lá pra trás. Barão Geraldo era um mundo dentro do mundo e na época desta fome de lobo o Aulus chamava-se Sancho Pança e era o máximo que conseguíamos alcançar de bicicleta ou a pé. A avenida Sta. Isabel e cercanias era aventura que exigia motor.

A vocação era o esporte, notadamente o futebol, onde Tato, André Galembeck e Lourenço (que não era de Barão, mas era como se fosse) formavam um trio de craques. Jogar contra eles era certeza de que um empate já seria tarefa dificílima.

Mas o universo de personagens e talentos era enorme, e muitas delas eu nem lembro ou pior ainda, nem cheguei a conhecer. Os irmãos Martin e Tristan tinham uma banda cover de Duran Duran, a primeira banda cover que eu vi na vida, acho que na época o termo "banda cover" nem existia. Martin comandava os teclados, ele tinha um equipamento avançadíssimo naquela época, (se não me engano) um teclado Roland, algo infinitamente superior ao órgão Hering com um ventilador embutido que meu pai tinha trazido de uma promoção do Makro (bem, não é de se estranhar que eu não tenho desenvolvido certas habilidades). Tristan tinha uma Les Paul, não sei se era Gibson, porque eu nem sabia o significado dessa palavra na época, mas é provável que fosse, eles eram (filhos de) americanos e tinham acesso facilitado a essa coisas que na época aqui era algo como "qualquer Gianinni é um luxo". Além da guita, Tristan cantava. Completavam a banda, o Búlgaro na bateria e Frangão no baixo. O Búlgaro tinha uma moto muito bacana, acho que era uma uma Garelli ou Agrale, uma italiana barulhenta, a gente sabia desde a curva de entrada na avenida 19 que ele estava chegando e aquilo estava uns dois ou três degraus acima daquilo com o que sonhávamos: uma mobylete. Frangão tinha o apelido tirado do gibi do Pelezinho, não lembro nem se era justo, não lembro dele ser goleiro apesar de que o cara era simplesmente uma referência, literalmente: o sujeito era enorme, só superado pelo Noel que ficou famoso no bairro porque aos 11 anos já calçava 43.

Simon Le Bon e Sheila Ming no clip de HLtW.

A banda era muito boa. Afinada mesmo, executava os hits do Duran Duran com precisão cirúrgica. Devo confessar que na época eu achava que o universo musical era uma coisa dividida entre os Beatles e o resto, então, DD estava longe de ser minha banda favorita. Com aquelas música mais melosas tipo The Chaffeur, eu nunca fui muito, mas as coisas mais movimentadas como Planet Earth, Girls on Film e Hungry Like the Wolf (minha favorita), eu achava bem bacanas. Talvez pelo clipe naquele clima de Indiana Jones com toques de sensualidade providos pela linda atriz que contracenava com Simon Le Bon, ou simplesmente pelo tchu-tchu-tchuru, tchu-tchuru, tchu-tchuru tchuchu! que finalizava os versos. Em retrospectiva gosto mais deles hoje, do que na época. Na época mesmo, a banda dos irmãos Martin e Tristan faziam mais a minha cabeça que a original. Martin ainda namorava a Cris, com quem estudei desde a terceira série e era uma tímida loira magrelinha que os anos de ballet trataram com generosidade até o ponto de na formatura do terceiro colegial ela ousar vestir uma forma que, bem, digamos que excluía definitivamente a palavra "decote" do dicionário. Martin acho que virou médico. Deve dar suas tecladas por aí de vez em quando. Os outros três eu desconheço o paradeiro, mas eu tenho uma lembrança muito boa desses caras que me apresentaram o universo pop requintado deste que foi, sem dúvida, um dos melhores sons dos anos 80.

[M]

Que John Malkovich o quê!

2010-08-19T15:06:00.000-07:00

Eu queria mesmo era ser Jack Johnson. Olha o escritório do cara!?:

É aquela velha história de sonho de criança. Queria ser bombeiro. E nas horas vagas jogador de futebol. Sobrando um tempinho ainda, ator de novelas.

Jack Johnson abandonou o surfe (profissional) cedo, depois de um acidente. Então decidiu ir estudar cinema na Califórnia e se dedicar à música (poderia ter decidido ir estudar direito, e se dedicar à culinária, por exemplo....). Hoje é trilha sonora obrigatória nas melhores aulas de pilates, quiosques de açaí, cafés descolados e coisas do gênero. Pop do universo cult, ou o cult do mundo pop, a verdade é que o havaiano tem (pelo menos) um disco muito legal (Brushfire Fairytales), aquela músiquinha bacana da trilha sonora do desenho do macaquinho George, o curioso e agora essa música maneiríssima que está tocando nas rádios (You and your heart). Só gente bonita, bacana e ensolarada curte Jack Johnson. Pergunte pra qualquer menina que esteja se banhando de sol na Guarda do Embaú se ela prefere Jack Johnson ou Motorhead...

Jack Johnson pode ser trilha de gente descolada e sorridente, que assiste festival de cinema iraniano, não come carne vermelha, fuma só do natural e evita dirigir alcolizado. Pro universo rock'n'roll pode ser considerado suave em excesso (ainda que excesso de suavidade soe contraditório, por princípio), delicado demais... Sempre de chinelo, camiseta e bermuda o cara é dono de uma voz bem encaixada e de um ritmo fluido, de fato o cara tem ótimas composições. A música dele é boa, desencanada... relax total.

Havaiano, surfista e pop star... Eu imagino a dieta do sujeito. Só pode estar comendo muito bem.

[M]

Pilotando a máquina

2010-08-11T14:39:00.000-07:00

Bem, já foi falado sobre a guitarra, a voz e a cozinha... Falta agora o complemento harmônico (não-obrigatório) do rock em barailaique. Na verdade, a presença do teclado na história do rock é tão antiga quanto o próprio...

No tempo dos pioneiros, Little Richard e Jerry Lee Lewis demoliam (em) seus pianos. Aliás, eles tinham postura muito mais rock'n'roll que Elvis ou Chuck Berry. Mas, convenhamos, piano é um trambolho enorme, e provavelmente tem um na casa da sua avó, de uma tia distante ou de algum estabalecimento de mesma estirpe.

Anos 50, huuuum, veja bem: a guitarra elétrica, novidade total, nego toca em pé, dançando, rebolando e chacoalhando. Piano é aquilo (voltar ao parágrafo anterior...), ainda que os supracitados pianistas dançassem, rebolassem e chacoalhassem... Rock'n'roll é (também) imagem. Desde o princípio. E assim o piano foi relegado a segundo (terceiro, quarto...) plano.

Veja os Stones por exemplo. A auto-intitulada maior banda de rock de todos os tempos. Eram 6 os Stones até a data de assinatura do contrato com a DECCA, quando foram convencidos de que Ian Stu Stewart era "muito velho" (e muito pianista!) para ser membro oficial da banda. Foi elegantemente rebaixado a músico de apoio. Mas sempre esteve lá. Ele, ou outro tecladista, Nicky Hopkins, Billy Preston, Chuck Leavell, entre tantos...

Mas os teclados sempre tiveram por ali, rondando o rock'n'roll e chegaram mesmo a ensaiar um golpe de retomada de poder com o prog-rock, mas o contra-golpe veio rápido com o punk! rock...

Os Beatles jamais desprezaram a presença de um bom piano em suas músicas (pós iê-iê-iê), fosse pelas mãos de Paul ou de George Martin, tanto quanto pela presença do inesquecível Billy Preston, que tocou como convidado em algumas faixas, notadamente naquelas do teto da Apple. O mesmo Billy que tocou em diversos discos dos Stones, com os quais tem faixas fantásticas como I Got the Blues e Melody.

Ah é? E que tal Ray Charles, que tinha verdadeiros riffs de teclado como em What'd I Say. Ou Stevie Wonder, com toda aquela música maravilhosa dedicada ao teclado... Bem, na música negra americana isso vem da igreja, do gospel direto para o que viria a ser a soul music.

A verdade é que os teclados oferecem um contraponto melódico à guitarra, além de uma outra possibilidade sonora que as bandas dos anos 60 (principalmente com a psicodelia) adoravam. Os tecladistas Alan Price e Ray Manzarek por exemplo, eram figuras centrais para a música dos Animals e the Doors. Al Kooper era figura carimbada e muito querido pelos Stones, Dylan (é dele aquele orguinho crássico de Like a Rolling Stone) e Hendrix. Era músico que ia muito além do rock, e fundou uma banda fantástica, os Blood Sweat and Tears. O mesmo se pode dizer do multi-instrumentista (e principalmente tecladista) Steve Winwood, do Traffic. Quando o Traffic ficou sem o guitarrista Dave Mason, ele nem deu bola e seguiu com um improvável power trio sopro/bateria/teclado com eventuais toques de guitarra nos dois melhores discos da banda. Fez parte com Clapton (que queria incorporá-lo ao Cream, algo que os outros dois não acharam boa idéia) do lendário Blind Faith e tocou com Hendrix em Electric Ladyland. Menos conhecido, Ian McLagan começou com o Small Faces e seguiu com Wood e Stewart nos Faces. Seu tecladinho era essencial...

Órgao Hammond B-3 e amplificador Leslie

Mesmo as bandas que faziam um rock mais agressivo, o heavy metal do Led Zeppelin por exemplo contava com os teclados de John Paul Jones para dar uma variada de vez em quando. Mas emblemático mesmo é o som do Deep Purple. Arrisco-me a dizer que, sem o tecladista Jon Lord, aquilo não teria ido além do primeiro compacto (por melhores que fossem os outros músicos). Ele é meu músico favorito nesta banda, é o toque de originalidade que tornou o som do Purple uma coisa única, pilotando seu órgão Hammond plugado num Leslie amp (parece que ele usava um pedal de distorção naquele bicho!). Até mesmo o Black Sabbath quando ficou sem saída criativa chamou Rick Wakeman, tecladista do Yes, para tocar em Sabbath Bloddy Sabbath. Yes que dependendo do tecladista mudava a sonoridade. Com Tony Kaye, da primeira geração, o som era mais rock (ele ainda voltaria nos anos 80 à banda, que voltou ao pop rock). Com Wakeman, era mais clássico e com Patrick Moraz foi mais jazz... O The Who também incorporou, aos poucos, de maneira muito inteligente e criativa som malucos de teclados e sintetizadores em sua sonoridade. Até mesmo o Rush incluiu a partir de certa etapa o som da tecladeira... E o saudoso Rick Wright (the Great Gig in the Sky....), falecido tecladista de uma das banas mais populares de todos os tempos, o Pink Floyd? Quantos dos momentos sublimes desta banda devemos a ele?

Claro que o rock progressivo foi um abuso, a era do exagero. Mas ficou muita coisa dali. E uma delas é o teclado que veio pra ficar e passando pela new wave dos anos 80 (Duran Duran com aquele som absolutamente sintético), desembocou no techno e música eletrônica dos anos 90 e 00. Mas ainda teve muita gente apoveitando o sonzinho maneiro do teclado sem tornar isso uma obsessão. O Police dos dois últimos discos (os mais legais deles!) incorporou piano e teclado. David Bowie sempre usou de maneira brilhante. Até o U2!? E mesmo as boas bandas de reggae não dispensam esse sonzinho maneiro...

Moog: os primórdios do sintetizador.

Lembro também o som maneiro do R.E.M., e até mesmo o Pearl Jam que não dispensa os teclados do músico de apoio, bem como o João Fera dos Paralamas... Os Black Crowes com sua sonoridade retrô, é claro, não poderiam deixar de ter um tecladista de primeiríssima (Eddie Harsch, depois substituído). E que tal Wilco, que tem não só um, mas dois tecladistas?!

E para desespero dos meus leitores itabunenses: Queen e seus "pianinhos de teatro"... Aqui o som era de piano mesmo. Essencial. Senão o Queen seria só mais uma banda de Heavy Metal... Bohemian Rhapsody, Somebody to Love são músicas de piano. Engraçado é que até o disco The Game de 1980, a banda se orgulhava de não usar sintetizador (and nobody played synthesizer, vinha escrito sempre nos créditos).

É claro que, para a MPB essa "dificuldade" não existe. A começar pelo fato de que o maestro soberano era da área e fazia subir frequetemente o piano pra mangueira. Mas, mesmo o nosso pop sempre foi aberto ao teclado. Começando com os teclados de Arnaldo Dias Baptista nos Mutantes, ele seguiu com Rita Lee no Tutti-Frutti até pra sempre no seu feliz casamento (musical) com Roberto de Carvalho. Nas bandas dos oitenta, Paralamas começou sem, mas incorporou já no terceiro (e essencial) álbum, Selvagem. Titãs e Barão, nunca dispensaram. Cássia Eller tinha tecladista na banda, bem como os Infernais de Nando Reis e as bandas da artistas como Lenine e Zeca Baleiro. No manguebit (prefiro a grafia original), Nação Zumbi não tinha mas Bactéria aciona os botõeszinhos no Mundo Livre S.A.

Mellotron: sonho de consumo. Cada tecla aciona uma nota de um instrumento pré-gravado em fita magnética. Foi assim que John Paul Jones tocou flauta em Stairway to Heaven...

Pato Fu também incorporou e o disco novo da Céu é um brinde ao teclado retrô, um desfile de sonoridades antiquadas misturadas com maestria. Provável influência da banda do guitarrista Fernando Catatau que produziu (também) o último do Arnaldo (que sempre teve teclado em sua banda) com aqueles tecladinhos Jovem Guarda...

Enfim, as coisas se reciclam. E ás vezes eu penso: graças a deus!

[M]

A cozinha de barailaique

2010-07-13T07:02:00.000-07:00

Eu pensei em fazer uma graça, intitulando o post como "a cozinha refinada de barailaique", mas caí na real. Até porque, a boa cozinha nem precisa ser refinada, vamos e venhamos.

E a cozinha do rock'n'roll estará, em geral, longe disso. Não, não pretendo fazer um post sobre receitas e dicas culinárias, nem mesmo nomes de restaurantes ou bares que servem sanduíches com nome de gente famosa.

Cozinha = baixo + bateria, ok? É disso que se trata, e eu espero estar fazendo uma das minhas últimas listas. No princípio, lá nos anos 50, o que interessava era a música. Os anos 60 viram surgir a (eterna) era da guitarra e aos, poucos, os virtuoses de outros instrumentos, baixo e bateria, começaram a se tornar obrigatórios. A partir da seunda metade dos sixties tornou-se praticamente regra incluir um solinho (nem sempre "inho") de bateria nos discos...

1. Até mesmo Ringo Starr gravou um solo de bateria em Abbey Road. Bem, era Ringo Starr... Mas este dispensável (apesar de divertido, quase paródico) momento não é o que o traz aqui. A cozinha dos Beatles era simplesmente fantástica! Muito se deve ao baixista técnico, melódico e criativo: o velho Macca começou como guitarrista antes deles decidirem mandar Stuart Sutcliffe embora, e era ainda por cima, compositor de mão cheia. McCartney nunca se limitou a uma abordagem rítmica do seu baixo, frequentemente ele agregava linhas melódicas surpreendentes, enquanto que Ringo, bem, Ringo era o cara que não deixava a peteca cair enquanto os outros estvam pirando. Seus grandes momentos como baterista estão no descendo a lenha de Tomorrow Nevers Knows e num espetáculo de sensibilidade e adapatação que é a bateria de A Day in the Life.

2. Charlie Watts e seu kit mínimo de tambores dificilmente é ídolo de algum baterista. Mas ninguém mais poderia ser o baterista dos Stones, só mesmo Charlie. Ele é o cara que gosta de levar seu som a partir de uma abordagem mínima, sem vale-tudo, agregando-se à música sem desfigurá-la. Honky Tonk Women é o exemplo da levada ideal de Charlie. Os Stones soariam ridículos com um baterista tipo Ian Paice. Seu colega de cozinha chama a atenção pela total discrição. Bill Wyman era o cara que poderia nem ter estado ali, e talvez ninguém sentisse a falta do seu baixo.

3. Dentre as cozinhas pioneiras da british invasion dos anos sessenta talvez a melhor, ou pelo menos, a mais violenta seja fornecida por Keith Moon e John Entwistle, batera e baixo do The Who. Keith foi o primeiro animal da bateria, provavelmente a maior inspiração para o personagem dos Muppet's... John tinha uma postura discreta no palco, mas era extremamente técnico e sabia fazer o contraponto ou acompanhamento da agressividade de seu colega de cozinha (no clássico My Generation, John dá um show!).

4. Claro: Jack Bruce e Ginger Baker. A cozinha do primeiro supergrupo de rock. O primeiro e o melhor de todos. Não é o caso de dizer "ah, mas eles tinham Clapton!". A excelente música do Cream dependia tanto do deus da guitarra, quanto da cozinha onde ele(s) preparava(m) suas poções. Lembremos: E.C. é, acima de tudo, um intérprete. Um magnífico intérprete que costuma fazer ques seus "comentários musicais" soem como composição. Mas, numa banda de três, um power trio (e Cream era O power trio) pouco adiantaria ter apenas um guitarrista lendário (a não ser que ele fosse Hendrix, hum.. capítulo dois). Aí vem a coisa da adequação né? O que valia para Ringo e Charlie vale aqui também, às avessas. Esta cozinha faz parte da lenda chamada Cream, qualquer outra aqui, provavelmente não teria criado a míriade de canções maravilhosas desta magnífica banda.

5. Sim, o Led Zeppelin sempre foi a banda de Jimmy Page, com algum espaço esporádico de destaque para os vocais de Plant. Uma vez li por aí (maldita web) que John Paul Jones havia sido questionado a respeito de um de seus discos solo se ele não achava que o som era "too much Led Zepp influenced". A resposta? "Don't you think Led Zepp's sound is too much John Paul Jones influenced?". Este cara era um músico de estúdio dos mais requisitados na swinging London dos sixties (por exemplo, ele arranjou e tocou aquelas partes de piano na psicostônica She's a Rainbow). Tecladista, foi chamado para assumir o baixo na nova banda que surgia e que ajudaria a tornar lenda ao lado do gigante baterista John Bonham. Olha, este cara era agressivo, e deve ser creditado a ele uns 58% da culpa pela invenção do heavy metal (bem, ele não sabia no que ia dar, não é?), mas Bonzo não era só isso. O Led gravou muita coisa de diferentes estilos e andamentos, e ele sempre teve muito suingue quando foi necessário. Testemunha quem ouvir o mais louco disco deles, Houses of the Holy.

6. Não posso deixar de citar a cozinha clássica do Yes: Chris Squire e Bill Bruford. Chris foi o primeiro cara que, bem, foi mais ou menos assim, eu escutava algum clássico do Yes e percebi "ei! tem alguém tocando uma outra coisa aqui!", e era o seu baixo. Bruford era baterista com cabeça (e mãos) de percussionista, sua abordagem não se limitava ao ritmo, chegava quase a ser melódico, preenchia espaços e os deixava livres na medida certa. Depois saiu do Yes para se aventurar na estranhíssima música do King Crimson e foi o cara que teve mais paciência para aturar Robert Fripp. Também tem trabalho solo, que eu, sinceramente, desconheço.

7. Destas bandas clássicas gosto também da cozinha do Queen (pronto, consegui citar a banda inteira), principalmente o batera Roger Taylor, que tem o estilo agressivo herdado de Bonham e Moon... O baixista John Deacon era um compositor esporádico (mas de tiro certeiro) e seu som começou a aparecer mais quando a banda incorporou influências mais pro lado do funk.

8. Uma cozinha, completamente diferente (do ponto de vista musical) mas clássica do ponto de vista social é a dos Wailers. Essa é a cozinha da Ruberley Boareto da Silva, no. 376, por onde a gente entrava na casa e acabava ficando por ali mesmo... A porta de entrada do reggae é mesmo a cozinha que funciona não só como ritmo, mas muitas vezes melodicamente. As linhas de baixo de Aston Familyman Barret não se limitam a repetir as linhas da guitarra em tom mais grave (até porque a guitarra do reggae é, basicamente, acordes tchaca-tchaca) e o acompanhamento da bateria de seu irmão, Calrton Barret, completam a fina mistura que sustenta a maravilhosa música de Bob Marley.

9. Com a chegada do punk, ser músico virtouso deixou de ser moda (aliás, ser músico de qualquer forma...). Mas uma banda que nasceu nesta época e quase fingiu ser punk (e que caiu fora quando viu que era roubada) e acabou inaugurando a new wave tem a melhor cozinha dos anos 80, e foi muito importante para o nosso roque-brasil aqui. Falo de Sting (aquele mesmo) e Stewart Copeland, baixo e batera do Police. O nome não ajuda mas os caras eram bons demais... Nesta banda, eles tinham até uma estrutura que lembrava o reggae, na medida em que as canções eram levadas principalmente pela seção rítmica, com menor ênfase na guitarra (também de primeira linha, diga-se de passagem, já me desculpo aqui por não ter citado Andy Summers no post sobre guitaristas) do que seria num power trio. O The Police era um Rhythm Trio, se é que isso faz algum sentido.

10. Então nós caímos direto em João Barone e Bi Ribeiro dos Paralamas porque a infuência daquela banda (Police) nessa é tão explícita (nos primeiros discos) que não precisaria nem ser comentada... Não há muito o que comentar aqui, é quase a mesma trajetória que a da banda inglesa, com a diferença de que a longevidade dos Paralamas os levou (também) a outros horizontes...

11. Das coisas mais atuais, olha, sinceramente, em tempos de mp4, download grátis, é muita informação!... É tanta que não dá tempo nem de processar direito, então tem muita coisa por aí, que a gente (leia-se: eu) não consegue passar muito da superfície. Dá pra surfar em muita coisa, mas mergulhar é cada vez mais difícil... Lembro de algumas coisas: gosto do Flea, baixista dos Red Hot Chilli Peppers, o som desta banda (que acho demais...) depende muito dele. O batera dos Black Crowes, Steve Gorman, tem um suingue fantástico e sustenta discretamente o som da banda. O mesmo pode ser dito a respeito de Glenn Kotche, baterista do Wilco. Nessa linha, lembro também da seção rítmica do ACDC (que não deve ser encarada aqui como parte da seção "atualidades"), que levada os caras tem! Quer dizer, não é nada demais, mas o som da banda está alicerçada naquela batida roquenrou incansável de bateria...

12. Sim, eu não comentei muitos nomes clássicos... Ian Paice do Deep Purple é o tipo do cara que agrega informação demais ao som da banda. Mas aqui funciona bem. Neil Peart, já me disseram, é o maior baterista de rock de todos os tempos. Fazer o que, se eu não sou muito fã de Rush? Sim, Nick Mason do Pink Floyd tem um som bem legal e gosto também da cozinha caipira e diversificada de The Band, o baixista Rick Danko e o baterista Levon Helm (além do que eram ótimos cantores).

13. Na música brasileira, a coisa é diferente. Talvez a tradição rítmica do samba, ou a harmônica da bossa-nova, sei lá, faz com que esses elementos não tenham a mesma dimensão. O que não quer dizer, de modo algum, que os músicos que executam estes instrumentos sejam, menores, pelo contrário! Eu quero dizer: a boa (excelente) cozinha brasileira é a regra! Bem, em termos de rock nacional temos Liminha e Dinho (baixo e bateria dos Mutantes). Dos oitenta, já citei e não preciso repetir: os cozinhas do Sucesso... Na virada pros anos noventa aconteceu uma coisa legal: as bandas começaram a incorporar percussionistas. O Barão Vermelho, das clássicas, foi a primeira o que culminou no excelente disco de '88, Carnaval. Também na banda de Cássia Eller, com Lanlan e Thamyma Brasil, duas percussionistas que não deixavam a peteca cair... E finalmente a cozinha a lenha da Nação Zumbi, que no primeiro disco usou só os tambores de Maracatu mas que a partir do segundo conseguiu agregar de maneira sensacional uma clássica bateria em sua massa sonora...

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Estrada do Sol (parte II)

2010-07-09T10:19:00.000-07:00

Sim! chegamos a nossa querida e ensolarada terra-mãe...

A música brasileira tem uma tradição vocal (e poética) muito superior à do rock'n'roll. Não vou percorrê-la, seria pobre perto do seu tamanho e sairia muito do foco original do post (algo que já me aconteceu na parte I...). Começo pela geração da Tropicália. Como cantores (e músicos e poetas...) ninguém foi tão longe.

22. Gilberto Gil e Caetano Veloso. Claro, ficaram velhos e chatos. Um virou ministro, administrador de ONG, vereador... Outro parece transformar sua música em artigo científico... Uma pena, mas esses caras mandaram pelos menos uns 20 anos de excelente música. A melhor que havia por aqui, e ainda por cima sempre foram intérpretes extremamente sensíveis e cuidadosos.

23. Daí vem o melhor de todos, Milton Nascimento. Voz de veludo, licorosa e suave, sem deixar de ter um alcance que permite intepretações surpreendentes, tanto de sua mineira música (que é mais assim... mineira uai, sacumé?) quanto de um repertório mais amplo.

24. Djavan também tem uma voz muito gostosa e forte. Muito me lembra, na entrega aos temas que canta, o jamaicano Bob. Esta geração dos '70 traz ainda o cearense Fagner com um timbre único (mas de um repertório mais pobre) o paraibano Zé Ramalho e o pernambuco-malandro de Alceu Valença (cujas interpretações beiram o clown, por exemplo em Anjo Avesso, disco de 1982).

25. Tim Maia, é claro. Outro cara único, trouxe e adaptou a soul music americana ao nosso tempero e temperatura, o síndico cantava como ninguém (às vezes, literalmente, dado o desaparecimento frequente em shows) e tinha uma puta voz bonita. Gente defende que Wilson Simonal era melhor cantor, o problema é o repertório, enquanto Simonal parecia estar na era das Cantoras do Rádio (na maioria das vezes), Tim Maia já estava no futuro. Ainda assim, fugindo das obviedades que acompanharam a sua redescoberta no ano passado, a música Colecionador de Amigos, (que chegou aos meus ouvidos como um) presente de um Itabunense exilado em Londres, é sensacional...

26. Sim, o chato do sobrinho... Como negar que Ed Motta tem (provavelmente) a melhor voz do Brasil? Se ele tivesse morrido tragicamente após lançar o primeiro disco com Manuel e Vamos Dançar, estaríamos eternamente lamentando as coisas maravilhosa que ele não teria cantado. Graças a deus, ele sobreviveu mas o preço a pagar foi caro demais: Ed Motta é disparado o cantor mais chato do Brasil. Na van do barailaique não tem espaço pra ele... Outra que não caber nessa lotação é a cantora da moda, Ana Carolina, cheia de gingas, trejeitos e maneirismos vocais, acho chatíssima, peca pelo excesso, além do que seu repertório beira o intragável.

26. Do rock rock tupiniquim mesmo, acho que são poucos os destaques... Raul Seixas pela malandragem, bom humor e domínio total dos seus ritmos, sua voz fazia quase parte da percussão! A Rita Lee de depois da maternidade, no começo da era Roberto de Carvalho, passou a cantar com calma e malícia, dosando o ritmo, comprovadamente em Mania de Você, Lança Perfume e Baila Comigo.

27. A nossa geração do rock dos anos 80 infelizmente não tem uma safra de cantores tão boa. Ainda que alguns mitos como Cazuza e Renato Russo tenham surgido justamente nesta época, não é disso que estou falando. Frejat quando assumiu os vocais do Barão mostrou que tinha mais voz que Cazuza, pena que nunca soube direito o que fazer com ela. No mar de vocalistas que eram os titãs minhas vozes preferidas eram as de Sérgio Britto e Paulo Miklos. Arnaldo Antunes com seu timbre grave também se destaca, principalmente por seu trabalho pós-titãs, notadamente quando canta "música para criança" onde suas melodias vocais são mínimas, é quase que uma leitura, mas o resultado é quase sempre surpreendente.

28. Nando Reis mereceria a citação, não fosse seu timbre um tanto sofrível (apesar de muita sensibilidade na interpetação) mas, principalmente, porque Cássia Eller deu voz (e que voz...) às suas canções como se fossem dela. O disco Com Você meu Mundo Ficaria Completo certamente representa (junto com os de CSNZ) o melhor do pop-rock nacional dos anos 90. Aqui ela está de alto astral e muito bom-humor, ajudada pela produção impecável de Luiz Brasil. Até o som da banda acompanha esta sua nova fase (nos seus discos anteriores a impressão é a de que o som da banda não combina com sua voz).

Meio que sem-querer pulamos para as cantoras. Na verdade, sempre achei que cantar exige uma certa sensibilidade feminina... Como a mãe que nina seu bebê, a voz feminina traz outra cor à música.

29. Nossa música é riquíssima em cantoras, começando com a eterna e inigualável Elis Regina, passando pela linda e estranha voz de Bethania e até mesmo Gal Costa, apesar de eu não apreciar muito a gritaria que foi aos poucos se tornando seu trabalho pós Gal Tropical. Gosto também da baiana bossa nova Rosa Passos, outra que canta ninando (ainda que a nova não seja minha bossa) e da baiana Margareth Menezes que, infelizmente, não entra de vez no Axé Music e nem sai dela pra sempre. Mas é uma voz rara.

30. Uma nova de geração de cantoras maravilhosas temos hoje, o que há de melhor na música brasileira. Céu e Vanessa da Mata são minhas favoritas, não só pela voz, mas pela música que fazem, diferente e cheia de personalidade. Qualquer disco delas é um convite à boa música. Menos compositora que estas duas e de um estilo mais recatado, Fernanda Takai é a cantora dos meus sonhos, aquela que eu queria pra mim. Sua voz é um mantra apaziguador, e o disco em homenagem à Nara Leão é uma sessão de yoga.

31. Infelizmente, não temos uma nova geração de cantores tão boa. Talvez a melhor voz seja a do maranhense Zeca Baleiro, de timbre encorpado. Samuel Rosa tem a voz ideal para o pop, reta e sem firulas. Gosto também dos pernambucanos Chico Science, com seu estilo vocal de gibi e Lenine, um tanto pretensioso na poética (como Zeca) mas intérprete convincente e certeiro. Lirinha (Cordel do Fogo Encantado) parece se alimentar de sua própria música e Siba (Mestre Ambrósio) também tem uma voz singular, completam o time que vem da terrinha...

Um monte de voz. Música cantada, reinvenção de sua função primitiva. Conteúdo, comunicação. Forma, expressão.

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Estrada do Sol (parte I)

2010-07-09T08:06:00.001-07:00

O plano era começar a falar sobre as vozes brasileiras mas, a lista de esquecidos ficou grande demais e preciso continuar com eles...

18. A Andréa pede que eu cite Chris Robinson, dos Black Crowes. O texto poderia até ser análogo àquele sobre Jeff Tweedy e a música do Wilco uma vez que a voz de Chris e a música do Corvos são absolutamente indissociáveis (ainda que eu ache que sua voz tem uma tendência a ficar ardida demais às vezes, com se tivesse um drive ligado na garganta).

19. O camaleão David Bowie também foi injustamente esquecido. E o gancho nos leva a Lou Reed (que estava longe de ser um grande cantor) e a Iggy Pop (que se eu não cito capaz de perder um grande parcela de meus seguidores). Este último não me agrada no seu período inicial, cru e gritado, mas sua voz madura como no magnífico dueto com Katie Pearson (B52's) em Candy.

20. E o que dizer dos pioneiros esquecidos do Blues? De novo, Muddy Waters e John Lee Hooker são vozes obriagatórias. Graves, malandras e cheias da alma do blues, bem como Howlin' Wolf, que era "só" cantor. No outro extremo do espectro vocal tem os cantores de soul, grupos negros vocais de voz mais fininha... Conheço pouco, e gosto bastante de Smokey Robinson (além do que, ótimo compositor). No meio do caminho, James Brown!, como fui me esquecer dele? Lembrei também dos irmãos australianos Bee Gees, isso marcou época não? Stayin' Alive é hit obrigatório de qualquer banda de casamento/formatura que se preze. Difícil é alcançar aquele agudo...

21. Dois nomes menos conhecidos são Jeff Buckley e Elliott Smith. Ambos faleceram tragicamente deixando uma discografia muito pequena. O primeiro tem em Grace sua obra-prima, cantor de recursos vocais extraordinários e timbres únicos. O segundo tem um som e uma voz mais comedidos (se comparados com o anterior), do tipo mineirinho come quieto, mas que fica nervos e vez em quando. Recomendo Xo e From a Basement on a Hill.

Sim, e acho que não vou ficar vasculhando mais a memória... Se alguém me aparece desavisadamente, vai pros comentários... No meio do caminho, entre o pop-rock internacional e o tupiniquim, lembro-me de dois nomes cucarachas (ou quase):

22. Pau Donés guitarrista e vocalista do espanhol Jarabe de Palo e o uruguaio Jorge Drexler são minhas vozes preferidas em espanhol (incluiria aqui outro espanhol, Camarón de la Isla, mas isso já foge bastante do foco original), principalmente o segundo. Os africanos Salif Keita (Mali), Baba Maal e Youssou N'Dour (ambos do Senegal, princialmente os senegaleses, trazem uma rica e agradável mistura de ritmos e melodias locais com o universo pop global. E são cantores de primeira. Menos global, mas ainda melhor do ponto de vista da voz é a cabo-verdeana Cesária Évora, que foi mania por aqui há uns anos atrás, quando foi "descoberta" por Caetano Veloso. Bom, já que abri o leque, que tal a impressionante voz de Ibrahim Ferrér, de Buena Vista Social Club? Melhor parar por aqui, ou o post não termina nunca...

Continuando a estrada da voz...

2010-07-07T06:22:00.000-07:00

7. Parei na princesa (ou rainha), agora entra o ogro: Ozzy Osbourne. É a síntese do vocal de heavy metal. Um contraponto agudo a massa sonora de registro extremamente grave do Black Sabbath. E o mais importante: parece que jamais se levou totalmente à sério.

8. Johnny Cash é uma voz impressionante. Transitando entre o folk e o country é impossível não se render às suas interpretações, mesmo que não goste do estilo. Seus últimos registros são fantásticos, ele refaz Rusty Cage e Personal Jesus (pra ficar só em dois exemplos) como se fossem suas.

9. Bob Marley provavelmente é o mais apaixonado cantor que eu já ouvi. Apaixonado pela sua música, pelas verdades que ele vive ali. Qualquer música na voz de Bob é um depoimento sincero e comovente.

10. Kelly Jones, guitarrista da banda galesa Stereophonics tem um registro impressionantemente rouco. Lembra o Rod Stewart dos Faces. Mas Kelly é mais malandro e cheio de bossa, beira o exagero às vezes. Interpretando Don't Let me Down, dos Beatles ele consegue ser ainda mais convincente que o próprio Lennon. Sublime.

11. Mas, nenhuma voz dessa nova geração roqueira é tão impressionantemente boa quanto a de Caleb Followill, do Kings of Leon. Além de um timbre único, uma voz muito bonita mesmo, ele acelera e "tira o pé" na hora certa. Claro que sua banda é muito boa, mas muitas de suas melhores canções são levadas, até mesmo ritmicamente, pela voz impressionante de Caleb.

12. Não poderia deixar de falar de quem não vou falar: Elvis. Acho chato, típico herói americano. Claro que é talentoso e tinha uma voz incrível. Mas quando penso no rei do rock, lembro daquela jaqueta branca cravejada de brilhantes ou aquelas rídiculas películas que assolavam Sessão da Tarde na década de 70. Além do que, suas boas músicas não lotam um fusca. Junte-se aqui outro herói americano, morto recentemente, que não merece sequer a não-citação e também o vox de uma banda irlandesa que tem o som maneiríssimo, mas que esse sujeito enjoado consegue estragar.

13. Meu gosto pela voz de Jeff Tweedy deve se confundir com o tanto que eu gosto da música do Wilco. De qualquer forma, duvido que sem ele o som da banda seria o mesmo (até porque ele é meio que o dono da banda...)

14. Eric Burdon dos Animals é meu vocalista preferido das bandas dos sixties. Linda voz, cheia de energia. Também merecem registro Roger Daltrey do The Who e, claro, o eterno Jim Morrison.

15. As harmonias vocais mais belas do rock devem-se à Crosby, Stills e Nash (e Young). É claro, não há aqui ineditismo, grupos vocais eram frequentes entre a música negra (Temptations, Supremes) e mesmo os Beach Boys já faziam isso desde o início da sua carreira e o Queen levaria esta idéia a extremos (então) inimagináveis. O álbum homônimo é fantástico e trilha obrigatória de Woodstock. A melhor descrição de sua música vem de Wooden Ships: Wooden ships on the water, very free... Easy, the way it's suposed to be...

16. Sim, existe uma penca de vocalistas negros de soul, gospel etc e tal que colocariam (pelo menos) metade desta lista de joelhos... Conheço pouco a paragem. Gosto muito de Otis Redding e Marvin Gaye, são dois registros e idéias de cantar muito distintos e, coincidentemente tiveram fim tragico (principalmente Marvin Gaye, assasinado pelo próprio pai). O pouco conhecido Baby Huey morreu antes de completar seu único disco, mas deve ser reconhecido como uma voz potente e brilhante. O lindo disco gospel de Ben Harper com os Blind Boys of Alabama também está na categoria de música vocal da mais alta qualidade. Stevie Wonder adoro ouvir também sua voz, além de sua música excepcional, e o falecido Billy Preston tem uma participação magnífica no Concert for George. Claro, isso tudo sem falar no maior de todos, Ray Charles, que é sinônimo de música, em todos os sentidos.

17. A presença da voz humana na música pop abre as portas para a presença feminina no rock, que sempre foi clube do bolinha. Janis Joplin é referência óbvia, obrigatória e, mais do que justa. Nenhum vocalista homem de rock jamais chegou a seus pés. Jóia, mais que rara, única. Mas a minha favorita mesmo é Aretha Franklin. Onde é normal escutar uma pá de vocalistas que cantam gritando, Aretha grita (quando necessário) cantando. Da nova geração, gosto de Norah Jones, mas Amy Winehouse é simplesmente imbatível. Impossível não se render à sua música, e como se não bastasse, seu comportamento já é a de um mito pop, com vida pessoal atribulada regada a casos amorosos indizíveis e todo o tipo de drogas.

[CONTINUA AINDA, COM A VOZES DO BRASIL]

Seguindo a estrada...

2010-07-06T07:25:00.001-07:00

E seguindo a lista de guitarristas, a outra ponta fundamental do rock'n'roll e da música pop: a voz. Claro que sem letra, o rock é quase nada. Seria quase um jazz de baixa qualidade. Mas a letra, a canção elevam o rock à posição de mãe de todas as artes pops do século passado. Este curioso caminho leva ao rap, quase uma ruptura entre música e letra, processo que destila a canção em duas partes quase desiguais.

Mas o assunto não é esse. E sim, mais uma lista. Quais os cantores favoritos deste blogue? A lista segue os padrões das anteriores: nenhum critério objetivo, apenas gosto. E continuo sem ordem de preferência...

1. Começo com Mick Jagger. Tento redimí-lo de sua azarada aprição na copa do mundo de 2010. Ele certamente conseguiu um eterno "passe proibido - persona non grata" em qualquer estádio de futebol. E começo justamente por aquele que deve ser o cantor mais fraco (do ponto de vista da técnica vocal) desta lista. E é aí que esta, de novo, o segredo da maior banda de rock de todos os tempos, este encontro de músicos limitados que o tem em plena consciência, com disposição, bom gosto e sensibilidade para fazer a melhor música possível, esticando a fronteira destes limites ao máximo. Além do que, este é o cara que transforma um show ao vivo em espetáculo inesquecível. Ele catalisa, como uma faísca, o processo que é inerente à música dos stones. Os stones são energia potencial enquanto que Mick é cinética. Seu grande momento (além dos anos clássicos da transição de Brian Jones para Mick Taylor) é o álbum Black and Blue, de 1976.

2. Neil Young. Ele é rústico, cru e tem um timbre único. Transita do folk ao grunge sem meios termos e com a maior naturalidade. Como compositor é brilhante, tem a mais honesta coleção de músicas desde que o rock foi inventado. E como se não bastasse, este cara interpreta suas próprias músicas como se não fosse ele mesmo quem as escreveu. No clássico ao vivo de CSNY, Four Way Street, ele executa um set acústico (e sozinho com seu violão) de músicas originalmente elétricas, Don't Let it Bring You Down, Cowgirl in the Sand e Down by the River. De arrepiar.

3. Van Morrison. Aqui está a primeira grande voz da lista. O bardo irlandês não economiza talento quando tem de cantar. E apesar da grande potencialidade vocal, sobra enorme margem para uma sensibilidade incomum. Seja em suas próprias canções (ouça-o por exemplo cantando Caravan no show de despedida de The Band...) ou em interpretações de soul, como no ao vivo It's too Late to Stop Now, Van é o cara.

4. Eddie Vedder. O melhor de sua geração. Por incrível que pareça no aclamado álbum de estréia do Pearl Jam, Eddie ainda não tinha encaixado sua voz... Este processo aconteceu ao longo dos discos sequentes, e culmina em Riot Act, considerado um trabalho menor na discografia da banda, onde o vocalista pode mostrar sua incrível sensibilidade para cantar baladas e músicas com andamento mais lento e menos agressivo. Afinadíssimo e dono de belíssimo timbre, Vedder fez desmanchar a pedreira Paulo Leminski cantando The Last Kiss só com sua guitarra enquanto resto da banda tomava um refresco. Seu grande momento entretanto me parece a trilha sonora de Na Natureza Selvagem (Into the Wild).

5. Paul McCartney era a voz mais bonita do Beatles, além de ser o cara que melhor transitava entre diferentes estilos e temperamentos. No álbum branco de 68 ele canta rock'n'roll (Back in the USSR), baladas folk (Blackbird ou Rocky Raccoon), primórdios do Heavy Metal (Helter Skelter), jazz (Honey Pie) e outros com a maior naturalidade. Sou fã.

6. Freddie Mercury. Meu cantor favorito, leva ao extremo o talento de Paul para variar entre estilos, o de Mick como catalisador, e o de Van Morrison como voz. Intérprete de suas prórpias composições ou de outros membros da banda como Brian May e John Deacon, Freddie sempre se lançou inteiro, de corpo e alma nas canções. Em Bohemian Rhapsody, você realmente acredita que ele matou um cara, enquanto que Somebody to Love é uma verdadeira autobiografia. A diversidade de seu talento como cantor fica evidente principalmente em News of the World (de '77), onde além de clássicos do Queen, cito duas canções menos conhecidas, Who Needs You (de Deacon) e Melancholy Blues (dele mesmo). Homossexual assumido, morreu de Aids é a antítese do roqueiro típico (junkie, comedor e empunhando uma guitarra), indo muito além do universo rok'n'roll com sua música.

[CONTINUA...]

LISTA DE ERRATAS

2010-06-29T07:54:00.000-07:00

Eu sabia que seria apenas uma questão de tempo entre eu publicar uma maldita lista e me arrepender dos nomes esquecidos... Na minha lista de guitarristas por exemplo, é claro que isto aconteceu.

Carlos Santana eu sequer citei na lista de injustiçados o que torna o guitarrista americoxicano duplamente injustiçado. Ainda que eu ache o som dele um pouco repetitivo existe um grande número de ótimos momentos, e esses dias mesmo eu escutava duas música de uma colaboração sua com John Lee Hooker, e ficou simplesmente fantástico.

Ry Cooder também merecia uma lembrança, seu trabalho no slide é bastante delicado e inspirado. Quando citei o fiel escudeiro de Keith Richards, o stone mais novo Ronnie Wood, esqueci de mencionar seu trabalho brilhante com os Faces, Sweet Lady Mary tem um trabalho magnifico de lap steel e Stay with Me é rock'n'roll irrestível... Os dois guitarristas da segunda formação dos Black Crowes, Marc Ford, guitarrista solo, e o irmão fundador Rich Robinson são de chacoalhar o esqueleto, responsáveis pelo som na melhor fase da banda, assim como o novo guitarrista solo, Luther Dickinson, que tem uma abordagem um pouco mais country.

Marc Ford tem um trabalho lindo no disco de gospel que Ben Harper gravou com os Blind Boys of Alabama, o que já me lembra outro nome esquecido, Ben é um exímio guitarrista, principalmente no slide, e o público brasileiro o conhce muito bem pela lindo dueto com Vanessa da Mata em Boa Sorte/Good Luck.

Mas o que eu mais me arrependo de ter esquecido é o irlandês Rory Galagher, guitarrista quase obscuro que era capaz de tocar gaita e slide simultaneamente (e ainda cantava). O álbum póstumo Rory foge um pouco ao seu estilo original mas traz momentos acústicos belíssimos.

Alguns nomes do Jazz também poderiam merecer uma citação, Wes Montgomery, Charlie Christian e o cigano Django Reinhardt, mas não é a minha praia. Gosto muito de George Benson, que se rendeu ao pop com muito estilo e o "pianista" Stanely Jordan, que desenvolveu uma técnica única e cuja interpretação de Eleanor Rigby é de arrepiar...

Entre os brasileiros, gosto muito de Davi Moraes que deve ter tido umas aulinhas com o pai Moraes Moreira e o "tio" Pepeu; e John Ulhoa, que sabe como ninguém tocar com a linda e deliciosa voz da Fernanda Takai.

Espero não ter esquecido mais ninguém dessa vez...
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Será mago?

2010-06-18T18:09:00.000-07:00

Imagino eu que no dia de hoje, ao redor do globo, um sem número de blogues deve estar falando sobre José Saramago... Destes, o que mais me deixa curioso é, como não poderia deixar de ser, a pena vadia. Até porque eu nem sou assíduo leitor de blogues e este é mesmo um dos meus favoritos. E lá vou a derivar do assunto principal...

Outro dia uma pessoa muito querida me pediu umas dicas de blues em português, que não fossem (é óbvio) os blues etílicos. Esquivei-me dessa com a desculpa de que blues e português não combinam, salvo momentos bastante pontuais (o Cartão Postal da Rita Lee é meu favorito...). Mas nada de esfarrapada tem essa desculpa, eu acho isso mesmo. A língua, ou, as línguas, têm um ritmo, uma cadência e uma sonoridade própria. Da mesma forma que samba em japonês costuma ser esquisito, blues em português também enrosca. Como também o rock em italiano ou em francês não me desce.

Mas há exceções. Mesmo que não entenda muito bem as palavras, o rap francês do McSolaar é melhor do que qualquer coisa que eu já tenha ouvido na sua língua original, bem como o blues-rock com sotaque flamenco de Jarabe de Palo me soa muito bem, como se estes artistas tivessem descoberto o viés comum entre sua língua falada e uma música que originalmente nasceu em outro ramo linguístico. O mesmo se pode dizer do uruguaio Jorge Drexler, que consegue encaixar perfeitamente o espanhol numa mistura de música (hispano-)latina, brasileira e pop-rock inglês.

Aqui mesmo nos trópicos ensolarados, terra do samba, da bossa-nova, forró, moda de viola e tantas outras diversidades, a musicalidade do rock também se encontrou com a nossa língua de maneira sublime em Raul e seus parceiros, Rita Lee, a turma dos anos 80 e, mais contemporaneamente, Arnaldo Antunes, Nando Reis, Lenine, Vanessa da Mata, Céu... Bem, a lista parece ser extensa, ainda mais com pitadas de Gil, Caetano e do Clube da Esquina. Mesmo que a poesia rock-brasileira não seja lá a de um Chico Buarque, bem, acho que a proposta nem é essa mesmo, não é?

E onde entra o Saramago? Bem, sinto que eu mesmo me perdi um pouco... Descobri o Saramago lá na primeira metade dos anos 90, um livro (Jangada de Pedra) depois outro, depois outro... Foi overdose! A leitura de Saramago é cheia de ritmo (bem, toda leitura é, não é mesmo? Acabo de ser contrariado aqui do meu lado. Enfim...), mas ele consegue ser frenético no encadeamento de ideias e ao mesmo tempo suave na sua forma de manifestá-las. Muito difícil captar esse seu ritmo, mas muito fácil acompanhá-lo, Saramago é um músico que torna seu leitor bailarino inconsciente.

Ave José.

[M]

LISTAS, LISTAS (...CONTINUAÇÃO)

2010-06-08T12:18:00.000-07:00

6. O menestrel Steve Howe tocou guitarra na banda (e no gênero) que ficou conhecido pelos teclados. Mas não se engane: Steve Howe era o verdadeiro coração do Yes. De formação erudita, Steve sabia tocar violão folk, guitarra espanhola, bandolim enfim, tudo que tivesse cordas. Mas também não se acanhava de maneira nenhuma em meter a mão nas suas Gibson ou de tocar slide suavemente. Ingrediente fundamental na música do Yes, os licks de Heart of the Sunrise e Siberian Kathru não me deixam mentir.

7. Os voadores Jeff Beck e Derek Trucks. Jeff Beck começou com os Yardbirds tocando blues e rock e com a difícil missão de substituir E.C. E por ironia do destino, com ele a banda ficou ainda melhor, ele tinha uma abordagem mais agressiva e experimental. Isso já seria por si só digno de nota, mas não é tudo... Continuou na toada com Jeff Beck Group, que pode ser considerada uma das bandas precursoras do Heavy Metal. Mais um último disco (fantástico) de rock com os "Cactus" Bogart e Appice e Jeff deciciu migrar para a música instrumental numa estilo que chamaremos, na falta de nome melhor, fusion. Mais ou menos nesta época abandona de vez a palheta e passa a tocar só com os dedos, o que mudou totalmente sua abordagem do instrumento e sua musicalidade. Cause we've ended as lovers e Superstition de Stevie Wonder e a recente releitura de A day in the life dos Beatles são de tirar o fôlego. Derek Trucks é sobrinho de Butch Trucks, baterista original dos Allman Brothers Band, o que lhe confere um estranho e distante parentesco com Duanne Allman, o Sky Dog. Ainda mais quando constatado que Derek nasceu cerca de 10 anos depois de sua prematura morte. Derek toca de maneira magistral a guitarra slide, e a influência de Duanne é óbvia, mas, na minha opinião sua música é ainda melhor. Ele abusa de entretons o que confere ao som de sua banda uma certa sonoridade oriental, mesmo sem tablas, cítaras e outra peças do gênero. Songlines e Already Free, seus dois últimos álbuns são imprescindíveis (saiu um ao vivo recente agora mesmo em 2010).

8. Os artesãos Jack White e Tom Morello. Dois guitarristas pancada mesmo, Tom Morello é impressionantemente inventivo mas a música de Rage Against the Machine é difícil de escutar por mais de 10 minutos consecutivos, recomendo Audioslave, sua nova banda que é mais pop. Jack White é mais simples e faz uma mistura de punk rock com blues que dá certo. De Stijl é o melhor disco do White Stripes e sua guitarra pode ser apreciada com facilidade, enquanto que nos Raconteurs você vai escutar melhor a sua música como um todo. A trilha de James Bond-Quantum of Solace com Alicia Keys é imperdível...

9. O cavalheiro John Frusciante. O guitarrista dos Peppers é extremamente elegante e melódico e; ainda por cima, vintage. Além de alternar levadas pesadas com funks precisos é capaz de executar as mais belas baladas como Under the Bridge. Sua abordagem encaixa de maneira perfeita na música dos RHCP, no melhor exemplo de músico a serviço da música e não o oposto.

Robbie Robertson tocando uma... um... bem, deixa pra lá.

10. Os caipiras Robbie Robertson e Albert Lee. O primeiro, guitarrista da The Band e seu principal compositor. Como tal, traz outra percepção para o papel da guitarra na música: primeiro vem a composição, depois a guitarra vai colorindo o desenho que se esboça. Albert Lee já fez parte da banda de Eric Clapton (Another Ticket) mas é tocando guitarra country que ele pode ser melhor apreciado. Recomendo seu trabalho junto com os Bill Wyman's Rhythm Kings.

11. Os pioneiros Robert Johnson, Chuck Berry, Muddy Waters e John Lee Hooker. Mais pelo pioneirismo do que pelo som, eu não sou muito chegando naquelas gravações chiando a agulha com vocal de banheiro apertado, mas Robert Johnson tem um baú de composições atemporais (em especial a interpretação dos Stones para Love in Vain), Muddy Waters eletrificou o blues e também era um compositor magnífico (além de uma voz inesquecível), Chuck Berry inventou a guitarra rock e John Lee Hooker era o rei do Boogie e ninguém mais toca (ou tocou como ele).

12. Os sanchos-pança Mick Taylor e Ronnie Wood. Dom Keith Richards de la Mancha pouco seria sem seus fiéis escudeiros às avessas... Mick Taylor era discreto e sem nenhuma pressa, a conferir seus solo de slide na versão ao vivo de Love in Vain: magnífica. Com a troca deste por Ron Wood (que já tinha um trabalho fantástico como guitarrista dos Faces, escute Sweet Lady Mary por exemplo) a fronteira entre os papéis de guitarrista rítmico e solista nos Stones ficou mais difusa... Confira o álbum Some Girls, especialmente a faixa-título.

13. Os injustiçados (desta lista): o mestre do slide Duanne Allman, os heróis do metal Toni Iommi, Rtchie Blackmore e Steve Morse, o tornado texano Stevie Ray Vaughan, o bluesman com suingue B.B. King, o super-herói da velocidade Eddie Van Halen e o saudosista Brian Setzer talvez merecessem mais atenção, mas o post já vai por demais se estendendo e eu já estou de saco cheio de escrever...

14. Os Xaropes Steve Vai e Joe Satriani. Nem vou comentar. Tecnicamente os melhores da lista, nota 1.000. Musicalmente, desprezíveis.

15. Os brasileiros: Lanny Gordin, Sérgio Dias Baptista, Luis Sérgio Carlini, Pepeu Gomes, Roberto de Carvalho, Edgard Scandurra e Lucio Maia.
Lanny era o guitarrista da tropicália. Desta forma seu som ia muito além do rock e pode ser conferido nos melhores discos da época, em especial no Expresso 2222 do Gil. Sérgio dispensa maiores apresentações, guitarrista dos Mutantes e um dos motores criativos daquela que foi a melhor de todas aqui na terrinha. Dune Buggy e Cantor de Mambo são meus momentos favoritos. Pepeu guitarrista dos Novos Baianos, onde ficava escondido pode ser melhor apreciado quando a banda terminou e ele se juntou a Baby em carreira "solo a dois". Deu canja em muitos álbuns por aí, incluindo A Cor do Som, Moraes Moreira... Carlini e Roberto estão diretamente ligados à careira da rainha do rock, Rita Lee. O primeiro ajudou a mostra que ela poderia se virar, e muito bem, sem os Mutantes. Os dois primeiros álbuns dela com o Tuti-Frutti (Atrás do Porto tem uma Cidade e Fruto Proibido) estão entre o que há de melhor na discografia de rock nacional. O solo repetido de Ovelha Negra já é parte do cancioneiro nacional, exemplo da beleza das coisas simples. Roberto o marido, companheiro e multiinstrumentista que encarou o desafio de transformá-la em sucesso pop sem perder um pingo de qualidade musical. Rita Lee de '79, o homônimo de '80 (também chamado de Lança-perfume) e o disco Saúde (de '81) contém o melhor de sua produção, em especial em Bem-me-quer (de '80). Edgard, guitarrista do Ira! é o melhor guitarrista de sua geração, disparado. Pena que nem suas canções nem sua banda fosse tão boa quanto Ultraje, Titãs, Paralamas ou Barão. Dono de uma técnica única (que só conheço no violonista Canhoto da Paraíba), Edgard que é canhoto, toca numa guitarra de destro ao contrário, o que deixa as cordas mais graves em baixo e as mais agudas em cima. Não consigo nem imaginar como ele monta os acordes... Lúcio Maia (geralmente) é o contraponto melódico da Nação Zumbi, o que faz com maestria. Sem jamais se sobrepor às canções (geniais principalmente na época de Chico Science) Lúcio vai preenchendo de maneira elegante (ou agressiva) conforme a conveniência os buracos abertos pelo estraçalhar dos tambores da Nação.

Listas, listas...

2010-05-21T11:01:00.000-07:00

É frequente, ainda mais em tempo de internet, aparecerem listas do tipo "as melhores canções pop de todos os tempos" ou "os melhores cantores do pop rock da década de 80" e por aí vai. Nenhuma destas listas merece mais do que um golpe de olho curioso, sem que se leve muito a sério. Qualquer lista dessas é subjetiva, por mais que seja um conjunto de subjetividades de vários sujeitos, tomados na média, talvez.

Enfim. Eis aqui mais uma lista para não ser levada a sério. Eu não assisti ainda ao documentário It Might Get Loud, brilhantemente comentado pelo PQ. Mas a última (se é que não é já a penúltima...) Rolling Stone traz Jimi Hendrix na capa e uma entrevista conjunta com Jeff Beck e Eric Clapton. Este post já estava na minha cabeça faz tempo. Já fermentou a ponto de estragar. A idéia e fazer uma lista com os "maiores guitarristas (de rock ou similares) de todos os tempos". Claro, é a absolutamente minha lista. Não segue nenhum critério, só mesmo o meu gosto, o que está muito longe de sê-lo...

A única diferença é que a lista vai comentada. E a ordem não indica preferência, apenas lembrança.

Hendrix e sua Flying V

1. Eric Clapton: nome óbvio quando se fala em lista de guitarristas. Mesmo quem não gosta muito, cita por respeito, para dar credibilidade à lista. Não é de maneira nenhuma meu caso. Eric Clapton é uma espécie de sidarta gautama da guitarra. Com ela empunhada, ele desaparece num estado meditativo em que a música parece soar sozinha, vinda de uma caixinha dourada com a bailarina em cima. Ele simplesmente parece que não está lá. Clapton não é um exímio compositor de canções (como muitos que aparecerão aqui), mas seus solos são exuberantes. Sem rococó nenhum, sem técnicas malucas de tapping, sem desvarios frenéticos de velocidade, E.C. toca um solo como se ele só pudesse ser tocado daquele jeito. As notas encaixam no lugar e no tempo certo, a escolha dos silêncios, dos bends, tudo acontece como se só pudesse ser assim mesmo. E mais: os solos de Clapton são melódicos e não um mero desfile de notas dentro da escala tocadas a pretexto de demonstração de destreza. While my guitar gently weeps, canção célebre do seu amigo George Harrison é a melhor descrição para a abordagem que E.C. tem da guitarra. Nada mais justo que George tenha lhe dado a oportunidade de tocar o solo nesta música...

2. Jimi Hendrix, é claro. Bem, a primeira impressão é a de que Hendrix não era de fato, deste planeta. Enquanto Clapton parece não estar presente quando toca sua guitarra, Jimi é o extremo oposto: a guitarra é que parece ausente. Aqui, a música é corporal, visceral, Hendrix é, na verdade, um bailarino. Não, não me interessa guitarra tocadas com dentes, de costas ou pegando fogo. Tampouco festivais de feedback ou solos de 10 minutos. Se fosse só isso, seria só isso. Pouco se fala mas Hendrix era, acima de tudo, um baita guitarrista rítmico. Por isso "o bailarino". Compositor de várias das mais belas canções do rock, Jimi tocava dançando e sua abordagem rítmica alterna acordes, licks, riffs... Isto é hora harmônico, hora melódico, ora é ambos. Wait Until Tomorrow é uma música sem solo de guitarra nenhum, e nem precisa, aqui ele baila entre o solo, o grupo, o músico e a canção, tudo como se fosse uma coisa única.

3. Keith Richards. "Keith Richards é tão ruim que ninguém consegue copiá-lo". Eu já li isso em algum lugar, felizmente já não me lembro onde. O final da frase é verdade, o começo é uma senhora mentira. Claro que Keef não conseguiria tocar como o medidativo Clapton ou o bailarino Hendrix, mas não importa (e eles? conseguiriam tocar como este aqui?). Tecnicamente limitado se comparado a outros é verdade, mas quem não é? (Talvez só Pelé). A sua genialidade (sim, genialidade, não estou brincando) deve-se ao fato do tanto que ele consegue fazer dentro destes limites. E não é pouco! O pirata do rock sustenta a maior banda de rock do mundo há quase 5 décadas, e é responsável direto por clássicos reconhecíveis até por um cachorro bêbado: satisfaction, jumpin jack flash, brown sugar, honky tonk women, start me up (pra ficar só no óbvio), além de licks menos famosos mas igualmente belos como em tumblin' dice e beast of burden.

4. George Harrison. Diferente dos três anteriores, Harrison não era blueseiro, nem trazia forte influência de blues. George era mais genérico, gostava de Carl Perkins, tocava um slide maravilhoso e troxe a música indiana para o rock. E não como pastiche, mas de uma maneira harmoniosa e bela. Quando os Beatles davam sinais de cansaço, ele emerge como grande compositor em something, here comes the sun e while my guitar gently weeps. E quando os Beatles abandonaram de vez o barco ele mostrou ao mundo All Things Must Pass (que deve ser o primeiro e único album triplo da história do rock) e Living in the Material World. George era o músico.

Keith Richards com seu glimmer twin

5. Os arquitetos Brian May e Jimmy Page. Os dois arquitetos do rock tem uma abordagem semelhante no estúdio, desenhando com a guitarra e seus timbres estruturas muitas vezes complexas (ou extremamente simples) dentro da música das duas maiores bandas de rock da era pós-beatles. A diferença é que enquanto Mr. Page era simplesmente o dono do Led Zeppelin, Brian aprendeu a conviver e participar de forma brilhante da música de um sujeito que era simplesmente genial. Claro que Brian May tinha também ótimas composições, mas sua guitarra pode ser melhor apreciada exatamente nas músicas de Freddie, onde ele agrega sem tirar o foco do principal, a canção. Claro também que o som dessas bandas era completamente distinto, uma só ia na boa e pavimentou a estrada do hard rock/heavy metal enquanto a outra era anárquica e esteticamente experimental. Jimmy é o arquiteto com queda pra engenheiro e Brian o arquiteto com queda para o design...

(CONTINUA...)

It Might Get Loud (de um convidado especial...)

2010-05-21T10:52:00.001-07:00

Caros leitores deste blogue... Sinto muito pela longa ausência. Eu mesmo gostaria de estar mais postante, mas estou por demais atarefado com obrigações diárias e mundanas... Vida triste essa da gente. Primeiro o que a gente TEM QUE FAZER e só depois, se sobrar tempo, o que a gente QUER FAZER...

Idéias pintam, é claro. No banho, de noite na cama, no carro... Falta a bunda. A bunda na cadeira e os dedos ali, tlec, tlec, tlec...

Mas, enquanto seu lobo não vem, vou postar um convidado muito especial, tirado de http://penavadia.blogspot.com/. Vale a pena ler este blogue, o espectro dele é bem mais amplo que o meu, e seu último post cabe muito bem aqui. Grato ao PQ que me emprestou o texto. Chega de nhém, nhém nhém.: vamos a ele.

" 'It might get loud' é o que diz Jimmy Page – com um sorriso no rosto e um plug na mão – a certa altura do magnífico documentário de Davis Guggenheim, que se desenrola a partir do encontro de Page, The Edge e Jack White.

O encontro é supimpa, não apenas pela alta música que dele resulta, mas pelo deslavado elogio da guitarra elétrica. O documentário é uma apologia da guitarra: seus timbres, suas texturas, suas formas e, é claro, os truques em que são mestres os três mestres. Mas a apologia se transforma em verdadeiro apólogo, quando são as três guitarras que dialogam, dizendo coisas que não se pode transformar em palavras.

Linda a cena de Jack White construindo a mais precária (e portanto mais bela) das guitarras, com pouco mais que uma tosca peça de madeira, uma corda, amplificador, eletricidade e… uma garrafa de coca-cola como ponte. Difícil não ver aí uma referência à arte pop, e à possibilidade de que, das entranhas do consumo, venha a nascer um objeto único, irrepetível e irredutível ao desejo massificado. A guitarra, como a música, participa do universo do sagrado.

O documentário é também uma pequena e deliciosa aula de história: o experimentalismo com as potencialidades do rock inglês no cenário da liberação dos 60 e 70 (Yardbirds e Led Zeppelin), aquele minimalismo de acordes em que se condensa o grito pacifista a partir da Irlanda dos anos 80 (U2), e esse tal de rock’n’roll que reaparece com tudo na América, nesta turbulenta última década (The White Stripes, The Raconteurs).

É curioso que o mais novinho do bando seja o americano, e que seja ele também o mais disponível dos 3, ou pelo menos aquele que mais parece estar ainda experimentando poeticamente. Sigo pensando na maneira como White fala sobre o que significa tocar os objetos que produzem os sons. A textura, para ele, não é apenas a textura misteriosa da música. A textura da música passa antes pela descoberta da textura das coisas, e das vibrações que elas escondem. É pelas coisas que nos comunicamos com o além, com o sagrado.

Por último, o percurso entre a Inglaterra, a Irlanda e os Estados Unidos é uma poderosa viagem musical, como se auscultássemos um som virtual: aquilo que pode acontecer sempre que se dá esse raro encontro transatlântico, isto é, sempre que o rock das ilhas toma o navio de volta, atravessa o mar do Norte e vem reencontrar as suas velhas raízes, tornando-se, lá no fundo, o blues que ele nunca deixou de ser. Que o blues reapareça no fundo inescrutável da guitarra de um jovem branquelo de Detroit, de origem humilde e que talvez tenha aprendido a usar as mãos artisticamente estofando móveis antigos, é um desses mistérios fabulosos, que parecem acontecer de tempos em tempos. Com eles, renovamos nossa fé. And it might get loud."

Postado por Pedro Meira Monteiro em http://penavadia.blogspot.com/

Meninos da rua...

2009-11-16T10:00:00.000-08:00

Terminei a leitura d'Os Meninos da Rua Paulo, de Férenc Molnar, clássico húngaro do começo do século XX (ou final do século XIX, não sei precisar e estou com preguiça de googlear e além do que: tanto faz!). Fato é que trata-se de um belo livro, originalmente escrito com intenção de literatura juvenil, mas que acabou se tornando clássico universal. Livro de leitura fácil e rápida, linguagem simples e direta, ainda que a tradução do (também) húngaro Paulo Rónai teime em criar um português razoavelmente peculiar (e gramaticalmente corretíssimo).

O livro me lembrou Londres, onde nunca estive pessoalmente, mas que na década de 60 tenho visitado com meus ouvidos já faz tanto tempo... Enquanto os meninos da rua Paulo lutam para manter seu grund, seu quartel-general, seu campo de "pela", seu espaço!, enfim; os meninos de Londres lutavam para conquistar o seu próprio espaço. Essas ruas, Londres e a rua Paulo em Budapeste, pouco são paralelas, diga-se. Talvez seja só na minha cabeça que elas assim o sejam, e ainda assim se cruzam, geometria não-euclidiana unindo literatura e rock'n'roll, bretões e magiares, pré-(primeira)guerra e pós-(segunda)guerra...

Com o quarteto de Liverpool tendo conquistado a Eurpoa a partir do desembarque em Hamburgo e, posteriormente, a América, algo que nem o bigodinho austríaco, nem o bigodão russo jamais sonharam, a porteira do mundo se abriu para os ingleses. Meu irmão diz que na cabeça dos garotos de Londres (que formariam os Stones, Who entre outros) a idéia era... "se esses caipiras (de Liverpool) podem, a gente também pode". E deve. Como uma gangue, ou várias gangues, os músicos que curtiam rock, blues e gêneros afins ajudaram os Beatles a invadir a América e conquistar o mundo.

A partir de três núcleos principais, os Stones, os Yardbirds e os Bluesbreakers de John Mayall, uns 80% do rock inglês da década de 60 se desenvolveu (deixo aí uns imprecisos 20%, me perdoem os fãs dos Animals, the Who e outros tantos...). O elemento central na movimentação da gangue londrina de rock'n'roll nos anos 60 foi Eric Clapton. Ao trocar os Yardbirds que estavam se tornando, na sua ótica, muito "comerciais" pela banda de John Mayall, houve uma intensa movimentação de personagens nessas gangues.

Clapton na época do Cream

Como n'Os Meninos da Rua Paulo, aqui eles criam sua própria história e suas próprias referências. Seu grund é fruto da vivência em grupo, um mistura de elementos que provém de seu mundo de meninos, mais do que da influência do mundo dos adultos, da escola ou da cultura acadêmica vigente. No caso dos meninos de Londres é fácil imaginar, a Europa esfacelada pela guerra, algumas crianças sem referências paternas (Lennon e Clapton por exemplo) ou maternas (Hendrix): a referência vinha de lá do atlântico, Elvis rebolando, a saga de Johnny Be Good e Muddy Waters destilando o blues...

Quando Clapton deixou os Yardbirds (em 65) ele já tinha status de deus da guitarra, isso com 20(!) anos, e a gangue tinha que se recompor, entrando em cena Jeff Beck, que embora não tenha alcançado o status de divindade de seu antecessor é um guitarrista com a mesma sensibilidade e talvez até mais criatividade (se é que isso possa ser mensurado...) que aquele. Enquanto isso, E.C. não duraria mais que as sessões de gravação de um único disco com os Bluesbreakers, juntando-se a Jack Bruce e Ginger Baker para formar uma das melhores, mais inventivas e influentes bandas dos sixties: o Cream.

Yardbirds: Da esquerda pra direita, Jeff Beck é o primeiro e Jimmy Page o penúltimo.

Jonh Mayall, que era um músico de uma década anterior aos meninos da rua rock, de repente ficou na mão, justo quando tinha entrado no jogo, ou melhor na gangue... Enquanto E.C. tentava se encontrar, Mayall chamou outro menino prodígio, Peter Green, que acabou também ficando somente um disco e quando saiu da banda fez pior: levou junto o baixista e o batera para formar o Peter Green's Fleetwood Mac... Mais uma vez na mão e desta vez trotalmente só, John foi obrigado a reformular a banda e chamou o garoto Mick Taylor para a guitarra.

Mick Taylor (esquerda) no backstage do aniversário de 70 anos de John Mayall (direita).

Do outro lado da rua, uma banda chamada Small Faces começava a chamar a atenção. Já era a segunda leva de bandas inglesas e não era mais assim tão fácil conquistar a América que começava a criar seu próprios heróis. Os carinhas dessa gangue liderados pelo cantor e guitarrista Steve Marriott se deram bem entre os ingleses, principalmente na era da psicodelia, quando lançaram sua obra-prima Ogden's Nut Gone Flake. Enquanto isso, Beck saía dos Yardbirds para montar o Jeff Beck Group com os desconhecidos Rod Stewart (vocal) e Ron Wood (baixo), e Brian Jones estava prester a ser demitido dos Stones por abuso de drogas: como na rua Paulo, os meninos de Londres tinham suas próprias regras e isso incluía punições a sócios que pisassem na bola chegando até a expulsões...

A saída de Jeff Beck desmontou os Yardbirds, mesmo que eles ainda contassem com outro guitarrista prodígio, o menino Jimmy Page, que tentou criar uma nova versão da banda, chamando o cantor e guitarrista Terry Reid para formar os New Yardbirds, convite este que foi recusado, o que poderia ser uma tragédia (pois Terry era muito bom). Mas como nos bons romances, as piores situações originam as mais engenhosas soluções e isso obrigou Jimmy a abandonar esta idéia e abraçar um novo projeto, o Led Zeppelin. O Group de Jeff Beck não durou muito e enquanto Steve Marriott deixava os Small Faces para formar com o garoto Peter Frampton a gangue chamada Humble Pie, os membros restantes chamaram Rod Stewart e Ron Wood (que assumiu a guitarra!) pra fazer o seu papel na banda que foi rebatizada simplesmente como Faces.

Ron Wood e Rod Stewart: The Faces.

Com a demissão do sócio-fundador Brian, os Stones tentaram entrar na onda do guitar rock, numa época em que solos mirabolantes e lendas vivas da guitarra davam as cartas, sem abandonar totalmente suas raízes, chamando o tímido Mick Taylor pra seu lugar (que não seria capaz de ofuscar, pessoalmente, ainda que musicalmente poderia, Keith Richards), deixando, mais uma vez, John Mayall na mão (o que não era um problema para este músico que aprendeu a se reinventar, jamais foi mainstream, e se aproveitou do fato de ser meio cult já nos anos 60...).

Os Meninos da Rua Paulo poderia terminar no seu ponto culminante, com a vitória sobre os camisas vermelhas mas "a vida é real de viés" e toda batalha tem seus heróis de guerra, alguns deles mortos em combate. Boka, Kólnay, Csonakós, Géreb. Jagger, Richards, Clapton, Page, Beck... Os meninos sobreviventes prestam homenagem aos seus heróis: Brian Jones e Jimi Hendrix. Como Géreb que motivado por um crise de ciúmes pela liderança crescente de Boka, torna-se traidor de sua gangue e informante dos camisas vermelhas, Brian Jones não suporta a badalação em torno da dupla Jagger e Richards, trocando a gangue pelas drogas. Como Nemecsék, o único soldado raso de um exército formado exclusivamente por capitães e generais, Hendrix desembarca da América pronto para reconquistar seu país (que o exilou) a partir da gangue de Londres. Os dois conquistam seu lugar na história a partir de sua bravura e seu talento. Os dois caem heroicamente em combate no melhor exemplo de dedicação às gangues das quais faziam parte...

E as histórias dos meninos das ruas Paulo, dos meninos de Londres, teimam em se repetir. De maneira universal. E de maneira única.

[M]

ps: no caso dos meninos de Londres, um capítulo extra. Meados da década de 70, Mick Taylor (ex John Mayall) deixa os Stones e no seu lugar entre Ronnie Wood (Ex-Faces e Jeff Beck Group, portanto com um pitadinha dos Small de Steve Marriott e dos Yardbirds de Beck, Clapton e Page...), unindo a trajetórias de todas essas gangues...

Cordas, caixas e bobinas: som

2009-11-10T09:59:00.000-08:00

Desde a invenção dos primeiros instrumentos a que se costumou chamar guitarra, num longínquo século XVI, uma das maiores preocupações dos artesãos que construíam estes instrumentos era amplificar o som. Os instrumentos de cordas produzem sons devido à vibração destas, e uma corda vibrando costuma produzir um som de pequeno volume, ao contrário por exemplo de uma membrana (de um tambor) vibrando. Desta forma, a música que vem de um intrumento de corda é melhor ouvida se este intrumento dispõe de algum dispositivo para amplificar o som produzido pela sua vibração.

Nada mais simples que imitar a natureza, se a voz humana, produto das vibrações das cordas vocais, pode ser ouvida graças à amplificação produzida pela caixa torácica, a guitarra dos séculos XVI e XVII acoplava ao conjunto de cordas uma caixa de ressonância que tinha exatamente este objetivo. E esta invenção, cordas e caixa de ressonância persiste no que chamamos de violão até hoje. Antonio de Torres, um sevilhano do início do Século XIX estabeleceu o desenho e a estrutura daquilo que conhecemos hoje como violão clássico (ou espanhol, ou flamenco). O desenho da caixa e toda a estrutura interna, com diversos filetes de madeira que conferem apoio ao tampo da caixa e seus nuances foram pensados com um só objetivo: amplificar o som produzido pela vibração das cordas.

O violão folk, ou violão americano tem como diferenças básicas as cordas de aço (ao invés das de náilon) e um desenho mais bojudo, gorducho na parte de trás e reto, não tem a forma suave e feminina do violão de Torres, seu desenho é feito para ressaltar os graves, ainda que o uso das cordas de aço confiram um timbre mais estridente aos tons agudos.

Tanto numa forma quanto noutra, o instrumenento parecia destinado a soar sozinho ou com companhia muito seleta, voz, percussão suave ou qualquer coisa pouco barulhenta, por um motivo simples: seu som é baixo e fica difícil ouvir um violão numa orquestra (Rodrigo com seu Concierto de Aranjuez foi teimoso e conseguiu um resultado magnífico). E aqui então entra em cena o elemento fundamental na história do rock e por conseguinte na história de toda a música popular produzida na segunda métade do século XX: o captador magnético.

Antes de sua invenção, um dispositivo engenhoso de amplificação do som de uma guitarra (acústica, totalmente) foi concebido para as chamadas guitarras ressonantes, das quais a National Guitar e a Dobro (Dopyera Brothers) são as mais conhecidas. A National Guitar é um violão feito de aço enquanto que o Dobro é de madeira com uma peça central metálica sobre o topo da caixa. O princípio de funcionamento das duas é o mesmo: a vibração das cordas é transmitida pela ponte a um cone interno de metal (ver figura abaixo, sem a tampa nem as cordas) que funciona como um alto-falante, amplificando o som. O disco dos Dire Straits de '86 popularizou sua imagem, ainda que não tenha popularizado seu som, infelizmente.

Este tipo de instrumento tem um parente brasileiro que é a chamada viola dinâmica. Este instrumento, ao contrário da National/Dobro tem 10 cordas (5 pares de cordas oitavadas) como uma viola caipira e é típica dos cantadores de rua nordestinos. Helena Meirelles, a falecida violeira do Pantanal costumava tocar uma destas (foto abaixo).

Entretanto havia um clamor dos músicos por um instrumento de cordas que pudesse competir em volume com os instrumentos de sopro, típicos de qualquer banda de jazz e aí, não havia sistema de ressonância que desse conta: o processo de amplificação do som originado das cordas vibrando tinha que passar por outro canal...

ELETRICIDADE!... Como a voz humana pode ser amplificada usando-se um microfone acoplado a um amplificador, o de um violão também poderia... O uso do microfone no caso do violão limitava um pouco (muito!) a movimentação do músico e assim nasceu o captador. O captador é um conjunto de imãs (um para cada corda do instrumento) imantados por uma bobina. A idéia de seu funcionamento é simples: esses imãs geram, cada um, um campo magnético. A corda vibrando distorce o campo magnético gerado pelo seu imã correspondente, e assim o som está "captado", sendo desta forma transmitido elétricamente para o amplificador, e aí meu caro, quem manda é o botãzinho: pimba! entra em cena (na década de 30) a guitarra elétrica!

As primeiras guitarras elétricas eram do modelo havaiano, o que hoje é conhecido como lap steel e é tocada deitada sobre o colo com a mão que normalmente executa os acordes (a esquerda para os destros) segurando uma barra metálica que faz deslizar suavemente sobre as cordas enquanto a outra mão dedilha as cordas. A Rickenbacker Frying Pan é conhecida como a primeira guitarra elétrica construída. Curiosamente o modelo havaiano foi muito popular nos Estados Unidos nesta época, mais do que a guitarra que conhecemos hoje.

No princípio as guitarras elétricas eram pouco mais que um violão equipados com um captador elétrico, mas foram evoluindo ao longo dos anos e ao guitarrista Les Paul é creditada a invenção da guitarra de corpo sólido, uma vez que esta era, até então, um misto de acústica com elétrica, e a idéia de Les Paul era criar uma guitarra que fosse estritamente elétrica, sem caixa de ressonância nenhuma. Ele levou (em 1941) o protótipo chamado "Log" para a Gibson, que já era nessa época mega-fabricante de violões e guitarras.

Por incrível que pareça, a Gibson não se interessou! E se hoje já estamos carecas de ver o modelo Gibson Les Paul (cráááássssssico!, acima) isso deve-se a um conjunto inusitado de fatores. Em 1947, um músico de country chamado Merle Travis encomendou ao luthier Paul Bigsby uma guitarra de corpo sólido e em 1950 um técnico em eletrônica que consertava rádios chamado Leo Fender aliado ao projetista George Fullerton estabelecem outro marco na história da guitarra: a produção em série (até então as guitarras eram produzidas artesanalmente). Nascia a Fender Broadcaster (hoje conhecida como Telecaster, a guitarra mais linda do planeta em todos os tempos, penso eu, confira abaixo) e uma das marcas mais famosas do mundo ao lado da Gibson (que depois dessa, saiu correndo atrás de Les Paul e tratou de industrializar o modelo clássico que leva seu nome até hoje).

Daí pra frente o rock se esbaldou e a música do século XX nunca mais foi a mesma. O formato básico baixo, guitarra e bateria foi abraçado pelos jovens dos anos 50, levado em frente nos anos 60 e está aí até hoje.

Graças à eletricidade.
[M]

Cura para a dor

2009-10-21T10:13:00.000-07:00

É possível ocupar o mesmo volume de uma banda de rock'n'roll (ou rock, simplesmente) sem ser uma banda de rock? A resposta imediata é não. Huuumm, mas vamos pensar um pouco, aquelas sinfonias pesadas de Beethoven (a abertura da 5a. por exemplo, é puro volume), ou mesmo Carl Orff com sua Carmina Burana, ou ainda Liszt com a sinfonia para a Divina Comédia de Dante nos lembram: sim!

Tudo bem, covardia comparar o som de uma banda de 4 ou 5 músicos com o de uma orquestra inteira é covardia... Daí a necessidade de eletrificar: corda ferida, vibração captada e devidamente amplificada... Essa é a fórmula do rock'n'roll e viva Thomas Edison!!!

Mas, vezes há que se pregam peças, aqui não se sabe se é o rock pregando a peça ou ele mesmo que está sendo pregado por uma pequena peça: um power trio inusitado radicado em Cambridge, uma cidadezinha universitária próxima de Boston, no estado americano de Massachusetts. Pois este pessoal resolveu que é possível fazer rock'n'roll sem guitarra, até aí tudo bem, os punks coseguiram fazer rock'n'roll sem música... Mark Sandman, um sujeito que "virou músico" já beirando os 40 anos, depois de ter rodado o mundo dirigindo taxis, trabalhando em navios e até na construção civil, levava diversos projetos musicais paralelos, mas o que decolou mesmo foi um trio que agregava, além dele, tocando um baixo rústico de duas cordas, feito em casa por ele mesmo, o baterista (de Jazz? provavelmente...) Jerome Deupree e o saxofonista Dana Colley (e... bem, é difcíl desassociar o saxofone do Jazz, não é verdade?), que costuma tocar na banda, um sax barítono, extremamente grave, muitas vezes dobrado nas gravações. O nome: Morphine. O que chama de imeditao a atenção é o fato de que trata-se de uma banda sem guitarristas, ainda que eventualmente Mark Sandman acrescentasse uma guitarra aqui ou ali.

Pra começar o rol de esquisitices que cerca o Morphine, meu primeiro contato com seu som foi uma fita K7 gravada pela (então) minha namorada, que conheceu este som em Londrina, numa de suas muitas excursões a serviço do aumento do potencial hidrelétrico nacional. Hoje a namorada é minha mulher e som do power trio de Cambridge é um dos nossos favoritos.

E o som do Morphine é grave, soturno, escuro, misterioso e pesado. É único. Na forma, ao menos, não há, não houve, nem haverá outro igual. O disco de estréia saiu em 1992: Good. Uma linda capa colorida não diz o que vem dentro da bolacha. A faixa título que abre o disco é o melhor cartão de visitas da banda, O riff de baixo acompanhado melodicamente pelo sax e uma bateria viajante definem o rock'n'roll estilo Morphine. Aliás o disco todo é a cara da banda (ou seja: de Mark Sandman, que assina todas as composições e que é, naturalmente, a cabeça do Morphine).

Good traz uma das (muitas) musas de Mark Sandman, geralmente figuras difíceis, (bastante) imperfeitas, muitas vezes autoritárias, como Claire. E mesmo cercado por esse tipo de mulher, ele declara seu amor de forma intensa como em I can tell you taste like the sky cause you look like rain, um lindo e lento blues levado com o auxílio de um órgão que ele mesmo executa.
Outros elementos importantes e que se tornariam frequentes nos discos do Morphine é o amor pela noite, pela boemia, por viver intensamente, aqui expressada em Do not go quietly unto your grave; e a urgência (muitas vezes bem-humorada) em se fazer entender, como em You speak my language, uma das minhas favoritas do repertório da banda, onde Mr. Sandman toca um riff pesado de guitarra, para expressar melhor seu desespero em tentar ser verbalmente (pelo menos!) compreendido.

Voltando à carga no ano seguinte com Billy Conway na bateria (que tem uma pegada mais rítmica porém menos diversificada que Jerome, afastado para tratar de problemas de saúde, mas que voltaria em 2000, tocando junto com Billy), o trio retorna com Cure for Pain, considerado por muitos como o seu melhor trabalho. De fato é um disco mais diversificado tanto ritmica, quanto melodicamente que o anterior, e alguns elementos novos aparecem aqui. Um solo de wah-wah sax em All Wrong; uma linda balada folk levada ao violão por Mark chamada In spite of me, que é quase um pedido de desculpas; um leve erotismo, extremamente peculiar em Thursday; uma levada que lembra bluegrass em Mary won't you call my name; outra linda balada com solo de órgão, a psicodelicamente soturna Let's take a trip together; e a faixa título onde declara com seu típico bom-humor: Someday there'll be a cure for pain... that's the da-a-ay... I throw my drugs away!

Os próximo discos, Yes, de 1995, e Like Swimming, de 1997 seguem na mesma toada: duas obras magníficas repletas de bom-humor (Sharks em Yes, e French Fries w/ Pepper em LS), amor e erotismo. As cantadas de Mark Sandman são do tipo... you penetrate my radar, you drop a bomb in my backyard (de Radar, faixa de '95), ou Don't worry, I'm not looking at you... Gourgeous! and dressed in blue (de Whisper, também de '95): nada óbvias.

Poderíamos até definir novos estilos... por exemplo: Morphine and roll (Honey White de '95 e I know you de '97); Rock and Morphine (Potion e 11 O'clock , ambas de '97); e o Heavy Morphine Metal de '95, True Love, que faria o Black Sabbath tremer de medo. Em Potion o ritmo compassado é acompanhado por uma atmosfera dada pelo órgão de MS, que canta quase falando, suplicando: give me the potion... to make me love you... give me the potion... to make me care... Em cada grupo de reticências repousa a intervenção rítmica da banda, um acorde, uma única batida, como se exigisse a poção mágica para o cantor.

A obra-prima viria em 2000... The Night. Diferente do MS atordoado, desesperado que, cantou, tocou e produziu os quatro álbuns anteriores, aqui temos um homem que está em paz consigo, que encontrou seu amor, está feliz e olhando para sua própria vida sob um viés mais otimista, mais repleto de beleza.

Além de arranjos mais bem elaborados, com a presença de cordas, coros femininos e maior presença de instrumentos alheios ao trio original, sax, baixo e batera(que aparecem de maneira suave, diga-se: MS está apaixonado mas não deixa de ser completamente o que sempre foi, assim, ainda é um disco com a marca registrada do Morphine, como por exemplo em Top floor, bottom buzzer ou em A good woman is hard to find).

Diversidade rítmica e melódica que só se encontra de maneira parecida em Cure for Pain, seu segundo disco, também é marca registrada aqui. Mark Sandman canta, entregue I'm yours... and you're mine! E em Rope on fire, tons do oriente e uma orquestração mais suave dão todas as pistas de um homem apaixonado, em busca da beleza, ou ainda: imerso na beleza desta experiência. Mas nenhum sinal é tão claro quanto a lindíssima faixa-título que abre o disco: You're the night, Lilah. A little girl lost in the woods. You're a folk tale, the unexplainable... You're a bedtime story. The one that keeps the curtains closed. I hope you're waiting for me cause I can't make it on my own.

Lilah é a noite, até então a única paixão de Mark Sandman. A noite e Lilah se confundem, elas são a mesma coisa, a síntese do seu amor e o sinal de seu encontro com a beleza que a vida pode proporcionar a quem não abre mão de viver suas paixões.

Take me with you when you go now. Don't leave me alone. I can't live without you. Take me with you, take me with you when you go, canta Mark fechando o disco. Ironicamente Mark foi levado. No palco, tocando na Itália com seu Morphine, o coração foi pequeno para tão intensa experiência e entrou em colapso. No compasso do seu slide bass de duas cordas, na batida de Billy na bateria e com os sons exuberantes de Dana Colley. Mark Sandman se foi, mas seus humores, paixões, sandices e amores continuam entre nós. Amém.

Clube do Bolinha

2009-10-15T16:12:00.000-07:00

Muita gente estranha meu gosto por AC/DC, mas ninguém supera essa estranheza do que minha própria mulher, que simplesmente abomina o som da banda, ou a banda em si, porque chega uma hora em que essas coisas se confundem.

Pessoalmente sempre me pareceu que AC/DC é música de homem, que mulher não gosta. Mas eu me lembro que a irmãzinha de uma ex-namorada minha quando começou a crescer e virar adolescente, a primeira coisa que começou a curtir de rock'n'roll foi o som da banda australiana. Não sei como se deu o processo, já não participava mais da família, ouvi isso como uma notícia distante, mas acho que é uma coisa de geração. Por mais que eles já estejam na estrada há mais de 30 anos, parece que o som deles foi melhor assimilado por uma geração que veio depois da nossa.

Lá em casa, a banda foi quase banida. O mais correto seria dizer... exilada: eu tenho um quartinho atrás da churrasqueira que serve de exílio pra banda dos irmãos Young e seus cupinchas. Minha digníssima esposa sempre que tira um cd do AC/DC do aparelho deixa solto, jogado sobre a estante. "Isso é tão ruim que não deve ter nem caixa!", pensa.

O primeiro contato do (grande) público brasileiro com essa banda foi no Rock in Rio I, isto é: janeiro de 1985. Na época eu me achava grande coisa, só gostava de Queen e estava descobrindo Yes e o rock progressivo, o que era "muito superior" ao que costumava se chamar, na época, de Heavy Metal. Hoje, qualquer metaleiro que se preze vai rir na sua cara se você chamar AC/DC de banda de Heavy Metal. Desde então, ou até antes disso, bem antes, o som da banda não mudou muito. "AC/DC? Ouviu um disco, ouviu todos" costuma dizer o Dão. O fato é que eles resolveram o dilema de estar na estrada por décadas da maneira mais simples: fazemos o que gostamos e sabemos fazer melhor. Não importa se soa repetição do memso igual. O disco Stiff Upper Lip traz na capa a figura emblemática: Angus Young eternizado em bronze, trajado em uniforme colegial como ele tem aparecido desde o primeiro momento.

Lá pelo idos de 1974, eles foram malandros. Aproveitaram a onda demoníaca lançada pelo Black Sabbath e começaram a fazer poses com chifrinhos, e a moda pegou e eles abusaram lançando discos com nomes de Highway to Hell, Hell's Bells, essas coisas. Fique bem claro que, no caso do AC/DC essas coisas soam mais como pastiche do que como coisa séria. Eles são, na verdade, uma banda de Rock'n'roll, ou Hard Rock no máximo, que era o nome que se dava no anos setenta para essas bandas que abusavam da distorção.

Distorção que é um truque ("sujo") para ocupar volume. A distorção parece ter surgido com os Kinks em 1964 na música "You Really Got Me". O truque é saturar a capacidade de ampliação do som capatado eletricamente da guitarra no amplificador dando aquela impressão de saturação (aumente bastante o volume do som do carro, a sensação é a de que as caixas estão preste a estourar). Isso porque o som puro, acústico, tem o limite de volume natural, devido ao próprio toque do intrumento. A guitarra elétrica não. Ela não tem caixa de ressonância. A corda vibra, a vibração é captada pelos capatadores e lá, no amplificador, o som é amplificado. E aí é que mora o truque: girar o botãozinho além da conta. Tanto que os amplificadores começaram a vir equipados com dois botões independentes, um só pro volume, outro pra saturação. É possível ouvir um som saturado, porém baixinho.

Voltando ao AC/DC, talvez seja essa a confusão: numa época em que a saturação era o carimbo de heavy metal, ninguém se deu conta (será?) que eles faziam rock'n'roll. Poucos acordes (geralmente no tom maior), letras simples, muita cachaça, e muito ritmo. A marca registrada da banda é a seção rítmica. Em vez do som tipo metralhadora do Iron Maiden (que é o protótipo do Heavy Metal nos anos 80), o som do AC/DC é quase um Chuck Berry distorcido. Tá bem, vá lá, um Rolling Stones (mais) sujo e (mais) distorcido: Somente rock'n'roll. Barailaique...

Ps: essas duas últimas foto mostram os irmão Young (Malcolm, o cabeludo na foto de cima) e Angus (o calvo, na debaixo empunhando uma Gibson semi-acústica vermelha, stripped de seu uniforme acdciano) dando uma canja em show dos Stones...

Porque os Stones não acabaram?

2009-10-01T09:55:00.000-07:00

Os motivos que não levaram ao fim da autoproclamada "maior banda de rock de todos os tempos" obviamente não tem nada a ver com os motivos que levaram ao fim a melhor banda de rock de todos os tempos... É só que um assunto puxa o outro, e aí já viu, né? Prato cheio para o blogueiro.

Talvez os Stones já soubessem, desde o início, que eles não seriam imortais. O primeiro álbum dos Stones data de 1964 e é basicamente um disco de covers de blues e rhythm'n'blues de artistas americanos que, muy provavelmente, pouca gente conhecia na Inglaterra nesta época. Enquanto isso, os Beatles estavam no auge do iê-iê-iê, com I Wanna Hold Your Hand e o filme A Hard Day's Night. Se você ouvir os dois discos de 64, o dos Beatles soará ridículo enquanto que o dos Stones parece uma pérola nascente do british rock. Mas ninguém ligava pra eles. Os Stones eram uma espécie de Mr. Hyde dos Beatles. E ainda mais que, a partir de 66, com Rubber Soul, os Stones ficaram comendo poeira, pois os Beatles dispararam na frente. Mas isso não importa. Nem os Stones nem ninguém tinha a pretensão de competir com os Beatles, ao invés disso, aproveitaram o comboio que a beatlemotiva liderava e começaram a colher seus frutos, vendendo discos, excursionando pela terra do tio Sam e aos poucos criando uma identidade.

Satisfaction é a primeira experiência autoral independente (do som dos Beatles) com que Jagger e Richards nos brindaram, isso, em 1965. Bom começo. Ótimo começo. Mas não teve continuidade. Nos anos seguintes, mesmo com bom discos, Aftermath ('66) e Between the Buttons ('67) e com um single fantástico de chamado Paint it Black ('66) eles ainda estavam na esteira dos Beatles, misturando psicodelia, arranjos orquestrais e roquenrou.

Então, em 1967, eles lançaram um single chamado Jumpin' Jack Flash, e aí, Mr. Hyde abandonou Dr. Jekyll de vez. Jumpin' Jack Flash é crua e suja na instrumentação e agressiva na temática da letra. É quase a mesma história que Chico Science canta em banditismo por necessidade, banditismo por uma questão de classe. Jumpin' Jack Flash é a história do anti-herói, nascido em condições precárias, criado num ambiente hostil, muito mais power do que flower, mas que "tá, hoje, numa boa...". Aqui nascia a "maior banda de rock de todos os tempos". Em 68, os Beatles retornavam às raízes roqueiras com o álbum branco, mas os Stones já estavam noutra. Eles não precisavam voltar à raiz nenhuma, eles eram a própria raiz! Em Beggar's Banquet, o tom é quase folk, e às experimentações sonoras com percussões africanas (Sympathy for the Devil), afinações alternativas (Street Fighting Man, Prodigal Son, No Expectations) segue-se a continuidade desta temática mais agressiva (estas mesmas canções vem na esteira aberta por JJFlash). Coincidentemente (ou não), nesta época Brian Jones era um refém de seu junky life style e era pouco mais que um zumbi na banda, abrindo ainda mais espaço para Keef Richards.

Finalmente, em 1969, os Stones é que deixam os Beatles comendo poeira, Let it Bleed é muito superior a Let it Be e Abbey Road, que mais soam como uma missa de réquiem (apesar de momentos sublimes devidos, principalmente, a George Harrison). Com o fim dos Beatles, sobram os Stones e com muito gás ainda. Sticky Fingers (1971) e Exile on Main Street (1972) fecham uma tetralogia iningualável na história do rock (com um excelente disco ao vivo aí no meio, de 1970): enquanto os Beatles se imortalizavam, os Stones seguiam em frente. Meros mortais, mas (cada vez mais) ricos mortais.

Um salto cronológico leva os Stones para "Shine a Light", filme dirigido por Martin Scorsese, filmado de um show para "VIP's" (como aliás todo show de rock tem sido ultimamente, basta ver o preço dos ingressos. Quem te viu, quem te vê...), em 2008, com apresentação de... Bill Clinton?!?! O que mudou tanto nestes 40 anos? Ao contrário dos Beatles, que, ao se separar, tornaram-se imortais, os Stones envelheceram. E da pior forma, sem assumir, sem usar a sabedoria e o charme que estes anos a mais poderiam lhes conceder (a não ser Charlie Watts, of course).

É claro que eles ainda tem talento. Voodoo Lounge (de '94), Bridges to Babylon ('97) e A Bigger Bang (2005) tem seus bons momentos, alguns até brilhantes, mas às vezes soam como o disco de natal do Roberto Carlos. Mostram uma banda que não sabe a dosagem certa entre se reinventar e continuar a fazer o que sabem fazer de melhor; há um desequilíbrio...

Mas, de novo, tô aqui viajando, e acho que nem cheguei na tangente do assunto que o título da postagem sugere. Afinal, porque eles continuam? Os Stones foram assolados pelos mesmos problemas internos que assolaram os Beatles; disputas entre egos cada vez maiores (Jagger e Richards), enquanto outros (Bill Wyman, Mick Taylor , Ron Wood) são meros coadjuvantes cujo trabalho e talento era menosprezado pelo núcleo criativo da banda; a mesma pressão externa sobre a banda com o aparecimento de músicos tão (ou ainda mais) talentosos quanto eles (Hendrix, Clapton, Led Zeppelin, entre tantos outros); diversos problemas com drogas, morte de Brian Jones, saída/troca de músicos; e, o pior, atravessar os anos setenta e oitenta, deixando de ser moda, com o surgimento de tantos novos sons, heavy metal, progressivo, punk, new wave... Porque eles insistiram em continuar?

Os Stones jamais serão imortais. Nem como os Beatles, nem como Hendrix. Tampouco como Kurt Cobain, ou até mesmo Michael Jackson. Os Stones são os caras que seguem em frente, mortais. A imortalidade atinge o pop star somente quando ele está no auge. A sua morte o torna imortal pelo fato de que ela acontece antes de seu declínio rumo à decadência total. O auge dos Stones nunca foi muito precisamente localizado, e ainda por cima, foi ofuscado pelos eternos Beatles e os recém-nascidos Hendrix, Led Zepp... Eles nunca foram fenômeno nem de vendas, nem de mídia. Sem os Stones, Jagger e Richards não seriam nada, sequer Jagger e Richards (bem, talvez eu esteja exagerando um pouco...).

E este paradoxo explica a longevidade dos Stones: recusando-se a morrer, tornam-se a mais mortal banda de todos os tempos. Graças a deus. Ou ao diabo, nunca se sabe.

[M]

Porque os Beatles acabaram?

2009-09-24T11:23:00.000-07:00

É o que se propõe a responder a revista Rolling Stone deste mês de setembro. Quase 40 anos depois, a mais famosa revista do mundo pop desenterra este assunto e na exumação do cadáver não parece encontrar nenhum indício de causa mortis que já não tenha ficado evidente na autópsia.

O desfile de argumentos leva diretamente à mesma conclusão de sempre: pressões internas fizeram com que o grupo implodisse. Além da guerra de vaidades entre (principalmente) Paul e John, do desconforto de George com sua posição secundária, da presença irritante do quinto beatle Yoko a única novidade que aparece na matéria da RS é a crise financeira da Apple, cujo estopim parece ser a contratação não-unânime do empresário Alan Klein para gerenciar a marca Beatles. Novidade pra mim, que fique isso bem claro, uma vez que nunca fui ligado neste assunto, $$, em se tratando da banda preferida de 11 entre 10 rocknautas, incluso aí, este que aqui escreve. Mas mesmo esse aspecto está diretamente ligado ao buraco que cada vez mais se alargava entre John e Paul.

O fato é que, em nenhum momento a RS toca num assunto que pra mim parece fundamental na dissolução dos Beatles: esta dis-solução era a única solução para torná-los o que são hoje, IMORTAIS, sem o perdão do trocadilho, tava eu aqui escrevendo e de repente, pimba!, descobri um significado para a palavra dissolução, olha o bem que está me fazendo ler a pena vadia.

Coincidentemente, à época que os Beatles faziam seus melhores trabalhos, Rubber Soul, Revolver, Sgt. Pepper´s, os singles de Magical Mystery Tour e o Álbum Branco, o que cronologicamente se situa entre 1966 e 1968, o universo do rock’n’roll passava por profundas transformações. Clapton estava (já nesta época, ainda em início de carreira!) se reinventado com o Cream, Hendrix surgia como uma assombração, Dylan plugava sua guitarra, os Byrds e o Stones punham as manguinhas de fora e achavam seus caminhos com um trabalho próprio e original que ia muito além de uma cópia ou uma versão das músicas dos Beatles. E muitas novas bandas e guitarristas, com idéias arejadas e músicos talentosos ainda estavam por surgir.

Sim, eles catalisaram estas transformações, não se tem dúvidas, mas como numa corrida de revezamento, o bastão foi passado adiante. Continuassem juntos até hoje (ou até quase hoje), os Beatles provavelmente haveriam de se tornar caricaturas de si mesmo, como Elvis, os Stones ou Michael Jackson (que nem era caricatura de si mesmo e sim caricatura de Liz Taylor). Graças a deus, ou à “deusa” (Yoko) ou ao “diabo” (Alan Klein), os Beatles terminaram.

Eu imagino que, circulando pelos botecos da swinging London em 66-67, quando George e John (principalmente) assistiram Jimi tocar pela primeira vez eles devem ter (no mínimo) pensado: “puta que o pariu, esse negócio de rock, de guitarra, tá ficando muito complicado...”, ou “nós criamos um monstro!”. E esse monstro desgovernado crescia e estava prestes a engolir os quatro de Liverpool. Ainda que inconscientemente, eles sentiram o baque. Paul começou a reclamar que a bateria de Ringo era muito monótona (sim, no final dos 60’s já se conheciam bateristas como Ginger Baker, Mitch Mitchell, até mesmo Keith Moon, que era amigão do Ringo, e que tinham baquetadas mais agressivas e impressionantes que as dele; e não interessa se Ringo sempre foi o único baterista que poderia ter tocado nos Beatles, opinião minha) e que os solos de George eram pouco inventivos. John reclamava que as letras e músicas de Paul estavam ficando muito idiotas (Obladi-oblada, life goes on bra!, convenhamos, John Lennon poderia ser um mala sem alça, mas aqui ele está coberto de razão) e talvez ninguém tivesse coragem de dizer abertamente isso a ele mas, John não era nem um poeta do nível de Bob Dylan, nem cantava como Otis Redding ou mesmo Elvis, tampouco era um guitarrista virtuoso como os que às pencas surgiam, E.C., Jeff Beck, Hendrix... pra ficar só em 3.

(E esse post vai se alongando, peço desculpas, sei que o espaço blogue é melhor com textos rápidos, curtos e fluentes, mas a tônica do barailaque corre o risco de ser esta, meio ciclo hidrológico, ao período de estiagem seguem-se chuvas torrenciais, os rios transbordam, enfim, caos total. Mas hoje é quinta e logo-logo você tem o final-de-semana pra ler).

Finados os Beatles, John e George viraram artistas sazonais. George ainda conseguiu fazer uns três discos memoráveis (um deles, triplo, o que poderia elevar a contagem para cinco...), John nem isso. Paul sempre foi o mais prolífico. Musicalmente, tinha mais ficha pra gastar que os outros dois, ainda que aos poucos ele foi se distanciando daquilo que ajudou a criar, o rock que os Beatles (re)inventaram. Nem é preciso dizer que John, Paul, George (e Ringo!), sozinhos eram só isso mesmo: John, Paul, George e Ringo. E com isso eles salvaram os Beatles. Os Beatles não poderiam envelhecer, e foi isso o que os tornou imortais.

ps: o cartum do angeli é cortesia, por uma coincidência monstra (ou não?), do Jorjão.

[M]

Este cinquentão...

2009-09-21T14:05:00.000-07:00

O tal de roquenrou já foi jovem, descabelado e rebelde. Hoje já tem quase status de jazz. Tem o viés punk, o dançante, o progressivo, o psicodélico, o latino e aindas uns tantos meio indecifráveis... Mas continua sendo "só" roquenrou.

Mas eu gosto.

Já não sei se por gosto mesmo, por puro gosto, ou por vício. E também já não me interesso em descobrí-lo (r-me?). O seu melhor não é ser decifrado, compreendido, decodificado, esquartejado... O seu melhor é o impacto físico que causa no corpo, a porrada, o volume.

Volume que é uma medida de ocupação de espaço. E que foi tão bem traduzida (porque traduzir é trair, já diria o PQ) como medida da intensidade sonora... Afinal essa intensidade sonora ocupa espaço físico e te toca, arranha, acaricia, esmurra... E a este volume talvez possa-se até mesmo aplicar a segunda lei da termodinâmica, que relaciona volume, temperatura e pressão.

Só não digo que este ou aquele é o objetivo deste blogue. Este blogue talvez tenha no máximo um norte, ou uma sensação que é a de se distanciar de objetivos, seja lá quais forem. Aqui, tudo é subjetivo, e vai como a nau perdida, sem remo nem vela, conforme rolem as ondas que a fazem balançar.

Bem vindos.